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Life of Pi o fábula de Esopo en 3D

Lo dice: @claudics

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FICHA TÉCNICA

AÑO: 2012
DURACIÓN: 127 minutos
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Ang Lee
GUION: David Magee (Novela: Yann Martel)
MÚSICA: Mychael Danna
FOTOGRAFÍA: Claudio Miranda

PREMIOS: 11 nominaciones al Oscar, incluyendo Mejor Película y Director. Globos de Oro: Mejor Banda Sonora. Tres nominaciones, incluyendo Mejor Película Drama. BAFTA: Mejor Fotografía y Efectos Visuales. Nueve nominaciones

ELENCO: Suraj Sharma – Pi PatelIrrfan Khan – Pi (adulto), Tabu – Madre de Pi, Adil Hussain – Padre de Pi, Shravanthi Sainath – Novia de Pi, Gerard Depardieu – El chef, Rafe Spall – Yann Martel

Trailer de Life of Pi:

Escogimos Life of Pi (Una aventura extraordinaria, tal es el título que se le ha a dado en nuestro país) para verla en la tarde de un domingo familiar porque la podía ver una niña de 10 años, aún con algunas escenas un tanto violentas para un menor pero nada muy cruento. Además, varios entusiamados amigos la habían alabado y las críticas hablaban de una gran historia de “aceptación, superación, despedidas y fe”. No se si es solo cosa mía pero hay demasiadas críticas buenas para esta película en internet, parece que en verdad ha gustado, lo cual evidentemente se traduce en la exitosa taquilla a nivel mundial. Sin mencionar que el libro en el cual está basado es un best seller con alrededor de 7 millones de copias vendidas.

Una fábula es un relato ficticio donde intervienes personas y animales con una intención didáctica frecuentemente manifestada en una enseñanza o moraleja final, instructiva para la vida. Y eso es ésta película, una extendida fábula en 3D. Y muy pretenciosa, no deja lugar a que el espectador piense.

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La fotografía, el diseño de producción, los colores ultranaturalistas, los efectos visuales, el uso del 3D, la generación digital de los animales y el agua, los paisajes alucinantes son excelentes. Ang Lee,  el maestro del encuadre, se luce en cada toma con un espectáculo visual de gran nivel y la fotografía pertenece al nominado al Oscar Claudio Miranda (El curioso caso de Benjamin Button y Tron, el legado) quien ha diseñado una arquitectura visual que hace espirituales los espacios. En Chile, su país de origen están muy emocionados con la nominación (El ‘chileno’ que está a las puertas de la gloria de Hollywood).

Pero el argumento que en un momento del film se anunciaba interesante y generaba expectativa se derrumba, creo yo, por la manipulación de la sensibilidad del espectador. Detesto cuando el director quiere llegar a mi corazón y a mis sentimientos de manera facilista. No digo que el cineasta no te pueda manipular, claro que lo hacen pero es bueno cuando no te das cuenta. Sucede algo con esta historia que no me cuadra del todo. Puede ser lo del espiritualismo posmoderno y la religiosidad universal, y no tengo nada contra las religiones o puede ser eso de que el personaje emprende un ‘viaje épico de aventura y descubrimiento con una historia de reflexión y perseverancia y gracias a lo imbatible del espíritu humano supera las dificultades’. Demasiado “buenondismo’.

Consulté con algunas personas a quienes les gustó la película, el por qué de ello y la respuesta mayoritaria fue porque Pi supera las desgracias ocurridas con entereza, se enfrenta a lo malo y lo vence pero no necesita sumirse en su pena ni hacer escuchar a los demás su historia trágica sino que precisa cambiar su realidad y con eso cambiar de vida. Eso le ayuda a superar el trauma, evadiendo la realidad se protege y gracias a ello todo tiene final feliz. No creo que necesite spoiler alert porque a estas alturas todos ya saben de que va.

Algún amigo de Twitter (sorry, no recuerdo quién) dijo que esta película era Paulo Coelho en 3D y no puedo estar más de acuerdo. Yo no leo libros de autoayuda por lo simplistas que son y esta película es, para mi, el libro de autoayuda mejor empaquetado, con la portada y las ilustraciones más hermosas, pero un libro de autoayuda al final. Se que a mucho les gustan estos libros por el mensaje y por lo que puede significar la reflexión de la historia para sus vidas. A muchos les ayuda a mejorar su persona y sus condiciones de vida. Mucho ¿no? Creo que ahí comienza el problema, demasiado bonito. De acuerdo, a una enorme cantidad de gente eso de la autoayuda le funciona bien, de hecho les ayuda de verdad pero en el caso de esta cinta, eso no funciona. También dijeron que era el nuevo Avatar pero tampoco gusté de esa película aunque de igual manera, visualmente era buena.

Life Of Pi Poster

Me han gustado casi todas las películas de Ang Lee que he visto, menos Hulk, y en general su obra ha sido bien aceptada por la crítica y ha recibido varios premios. The Wedding Banquet, Eat Drink Man Woman, Sense and Sensibility, The Ice Storm, Crouching Tiger, Hidden Dragon y Brokeback Mountain funcionan no solo por la presentación visual sino porque ha contado historias que te envuelven y te atraen, te comunican y trascienden. Ha sido osado tocando el tema de la homosexualidad en el cine asiático y en el ambiente de los vaqueros norteamericanos y llevó el mundo de las artes marciales y el encantador exotismo de Oriente a Hollywood, más allá de la serie B.

La mejor actuación, Gerard Depardieu en el papel del cocinero malvado que es en realidad un cameo y Suraj Sharma está bastante bien para ser debutante. Este es el tipo de película que puede gustar a la Academia por la historia de superación personal, la estética del film y el exotismo de la India. De hecho tiene 11 nominaciones aunque lo más seguro es que termine llevándose los premios técnicos. Hagamos apuestas.

• El soundtrack de la película también es hermoso, como para momento grato de relajamiento. Aca va completo:

• Si quieren solo la canción de Pi, acá está con la voz de la nominada al Oscar Bombay Jayashree:

• Acá una nota del diario La Opinión sobre Claudio Miranda, un maestro de la luz.

Acá una entrevista a Ang Lee y como diferentes culturas ven Life of Pi de diferente manera.

Más notas recientes sobre Ang Lee y la película:

• Ang Lee y la experiencia inmersiva de “Life of Pi”

• ‘Life of Pi’s Ang Lee Conquers Anti-Asian Bias

Director Ang Lee preserves Chinese tradition on film sets

Oscar countdown ‘Life of Pi’

Los nuevos comienzos de los buenos amigos

Lo dice: @claudics

Dama Naranja,técnica mixta por @dreampicker

Ilustración para un hermoso comienzo.

Ya les había contado, acá, que una de las patas de esta Silla Ecléctica cambió de código postal radicalmente buscando un nuevo futuro y mejores oportunidades para sus múltiples talentos, obviamente sin abandonar ni este blog ni nuestra amistad.

Gracias estos tiempos de interconexión y  a nuestro mejor amigo, el internet, las oportunidades pueden darse en cualquier parte del mundo y la gente inteligente encontrarán a aquellos que también lo son y que puedan aportarles algo muy bueno estén donde estén.

Este introducción es para contarles, amigos eclécticos, que nuestra compañera de aventuras @dreampicker ha empezado a colaborar como columnista en  La República, si, el popular y muy leído diario peruano, desde este martes 6 de diciembre y todos los martes que seguirán. Ella nos contó sus expectativas en esta nota de su blog personal y acá está el link de su primera columna sobre lo excitante de los comienzos y las primeras veces.

Demás está decir que estamos muy contentas y orgullosas y que esperamos que le vaya de lo mejor porque las capacidades y el empeño los tiene de sobra. Los invitamos a leerla, a seguirla y comentar en la web del diario. ¿Ven? Ya tienen un motivo más para leer prensa nacional. Y les aseguro que no se arrepentirán.

Soundtrack para este primera vez: Bobby Darin canta “This could be start of something big”

¡Salve Martha Graham!

Lo dice: @claudics

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La vida de hoy es nerviosa, aguda y en zigzag, dijo Martha Graham cuando fundó su compañía de danza en 1929. No podía tener más razón,  con las 180 coreografías que provocaron más de un shock en los espectadores debido a ese estilo atrevido, enérgico y vibrante,  lejos de los cánones estéticos del ballet clásico. Por algo los bailarines se referían a su estudio de danza, medio en broma,  como “House of Pelvic Truth”.  Su apasionado trabajo la convirtió en madre de la danza moderna, una gran pionera del arte femenino y en un ícono y referente de la modernidad del siglo XX y continúa siéndolo hasta nuestros días, prueba de ello es el doodle (creado por Ryan Woodward) que Google le dedica hoy 11 de mayo, en el que sería su cumpleaños número 117.

Este homenaje no solo es por su influencia en la danza sino por la retroalimentación que tuvo con diferentes disciplinas para la creación. Por ejemplo tuvo la colaboración de Isamu Noguchi en célebres escenografías, se basó en Freud y Jung para crear danzas de los mitos griegos, la prenda tubular tejida usada como vestuario y creada por ella misma tuvo influencia en la moda de la época, obviamente fue influencia para Pina Bausch entre otros.

Otro ejemplo: Tengo el recuerdo de las clases de la universidad donde la profesora, que por casualidad era bailarina también, hizo una performace para que pudiéramos captarlo a través del dibujo. Sobre la malla de ballet negra tenía unas lucecitas y la idea era que al moverse se perdieran los contornos del cuerpo y viéramos líneas de luces en movimiento lo cual nos ayudaría a entender su dinámica y poder plasmarlas en nuestro trabajo. Alguién mencionó que parecía una coreografía de Martha Graham, yo apenas conocía quien era ella pero se me dio por averiguarlo para aprender más y obviamente fui al sitio donde íbamos en esa época para saber más: la biblioteca. Descubrí cosas muy interesantes como que los modelos envueltos en mantos que dibujábamos eran muy similares a las imágenes de las coreografías con bailarines dentro de esas prendas tejidas (como las fotos de la parte superior) y por supuesto que me sirvió para aprender más y comprender el dibujo y el movimiento. Así fue como Martha Graham me ayudó en mis estudios. Gracias Martha. Y no, ya no tengo mis dibujos de la facultad.

Errand in the maze

Martha Graham Night Journey Clip for DGC

Extractos de “El Mundo de una bailarina” del DVD Martha Graham in performace

Martha Graham Finding Meaning Through Dancing

Martha Graham: The Dancer Revealed

Obras de arte buscan nuevo hogar

Lo dice: @claudics

Las 2 edades de Albus

Las 2 edades de Albus

Queremos tanto a Dreampicker que no quisiéramos que nos deje jamás pero sabemos que es necesaria e ineludible esta cita con el futuro y después de todo, no se va para nunca más volver, regresará a visitarnos, a contarnos sus aventuras y a provocarnos envidia por todo lo que sus sentidos disfrutaron. Además su corazón, enorme y generoso, estará con nosotros todos los días porque el cariño no se olvida jamás. Y, para nuestra suerte, somos gente del siglo XXI y tenemos facebook, twitter, webcams y chats para estar en contacto.

La artista sale a la búsqueda del mundo ligera de equipaje y, con mucha pena, no puede llevar consigo esas obras de arte a las que les ha tomado tanto cariño que nunca hubiera querido separarse de estos frutos de inspiración y trabajo. En cada trazo está una mirada, una sonrisa, un paseo, una lágrima… la vida y eso es invaluable.

El motivo principal de esta nota es contar a los amigos de Silla Ecléctica que tenemos la oportunidad de que una parte genuina de ella se quede con nosotros y de pasada ayudar a la bolsa de viaje. Ese trabajo hecho a pulso, con amor y vocación está en exhibición en este link. Si desean comprar uno (o dos o tres) simplemente se ponen en contacto a este mail: dreampicker06@gmail.com o vía Twitter con @dreampicker o @claudics y pueden pasar a recogerlo en la dirección que se indicará a los compradores, el sábado 2 de abril de 5:00 a 9:00 pm. El pago es en efectivo, contraentrega y se entregará un documento acreditando la venta. Yo ya escogí la mía ¿Y tu?

Para ver más cosas interesantes de Dreampicker:

Lee su blog personal

Mira otras pinturas

La silla de Warhol

Lo dice @claudics

Silla eléctrica

Silla eléctrica

Como este blog se llama Silla Ecléctica siempre termino buscando referencias a sillas de todo tipo, en pintura, en poesía y en diseño y encuentro cosas interesantes porque una silla dice mucho de la persona que la posee y puede producir una serie de metáforas por la forma como se utilice  o donde se encuentre.

¿A qué viene este comentario y qué tiene que ver con el tema de esta serie de posts de aniversario sobre Warhol y el Pop art? Pues que en la prolífica obra de nuestro Andy destaca un trabajo que es diferente. No es glamoroso, no es alegre, no es sexy, no representa a alguna celebridad ni es un exitoso producto de consumo masivo publicitado incansablemente. Al contrario, es un objeto dramático producto de los graves problemas de nuestra sociedad y es un tema muy serio que nos compete a todos porque con él medimos cuan humana y civilizada es nuestra cultura. Puede ser que te parezca necesaria o que te parezca espantosa: La silla eléctrica.

Warhol comenzó a usar esta potente imagen en 1963, el año en que se dió fin a la pena capital en el estado de New York, como parte de la serie Death and Disaster y la siguió utilizando durante los años siguientes debido a la gran controversia moral y política originada en diversos sectores de la sociedad norteamericana.

En esta serie de serigrafías no es que Warhol abandone lo pop, en realidad, este es un tema que estaba en el candelero en esos años y de lo cual la gente discutía acaloradamente, era el asunto de moda. Sin embargo no es algo que él tome a la ligera. Se nota la profundidad y lo poderoso del tema y de hecho hay estudios y monografías estudiando el detalle, la composición y el significado de la silla eléctrica.

Uno de los ensayos dice en su resumen : Este ensayo explora la relación del diálogo entre el arte y la ley, y argumenta que la revisión de La Silla Eléctrica de Andy Warhol, y nuestra respuesta colectiva a las pinturas, amplía el discurso jurídico sobre la pena capital en este país. El ensayo sostiene que las pinturas, y su estatus de icono en nuestra cultura, llaman la atención sobre nuestra fascinación con la muerte en general, el Estado administra la muerte, en particular, para el espectáculo de la pena capital, y para nuestra historia de la obtención de placer por contemplación  la muerte. También sostiene que Warhol plantea una cuestión importante, que implica la raza y el sexo y la religión y la discapacidad y la edad y el confort: ¿Con quién estaríamos cómodos visualizándolo en la silla?
On Andy Warhol’s Electric Chair I. Bennett Capers. Hofstra University – School of Law

Al parecer en los años 60 muy poca gente había visto como era una cámara de ejecución. La silla desocupada, el cartel de “silencio” en una esquina, la casi oscuridad reinante, el ambiente tenebroso, es una imagen fuerte y poderosa.

Como ya dije anteriormente, Warhol es siempre actual. En el 2003, 10 de estas serigrafías a gran escala y muchas otras en pequeño formato, fueron utilizadas en una exposición en Illinois en contra de la pena de muerte para el Proyecto Andy Warhol´s Electric Chair: Reflecting on Capital Punishment in America y actualmente una de las sillas está en exhibición Desmoines Art Center.

En esta página, una entrevista al poeta y asistente de Andy, Gerard Malanga, sobre el proceso de creación de la serie Death and Disaster

Y para hacer la cosa menos dramática, acá otro tipo de silla. Una silla homenaje para Andy Warhol y sus pelucas.

Silla homenaje y autorretarto de Andy Warhol con peluca.

Silla homenaje y autorretarto de Andy Warhol con peluca.

Andy Warhol: Pop art 101

Lo dice: claudics

Andy Warhol

Andy Warhol

Silla ecléctica está de aniversario, en realidad, ya hace varias semanas pero es motivo para realizar una serie de posts con un tema común que nos interesa: el pop art y que hemos tocado previamente en esta silla. La mejor manera que encontramos fue hacerlo con el artista más polémico e influyente de ese estilo y uno de los más (obviamente) famosos del siglo XX, Andy Warhol.

Warhol es conocido sobre todo por la serie de pinturas y serigrafías de celebridades como Elvis, Marilyn, Mao, Alí y Liz; de los cuáles ni siquiera necesito decir el apellido para saber de quien se está hablando y de productos de consumo masivo como Coca Cola y sopas Campbell. No por gusto Andy se inició como artista comercial (Aquí su primer trabajo para la revista Glamour) y de hecho tuvo mucho éxito en ese campo. Sus ilustraciones fueron publicadas en varias revistas y usadas en avisos publicitarios. Siempre hubo una conexión entre su glamoroso arte y los objetos de consumo masivo.

Marilyn Monroe

Marilyn Monroe

Las mayores influencias en su arte fueron la publicidad, los cómics y las tendencias artísticas en boga. Siempre fue un artista mediático y fue duramente criticado por otros artistas por “venderse al sistema” ya que nunca tuvo problemas para promocionarse ni para vender sus obras a los mejores postores. La gran influencia en su vida fue su madre, quien incluso colaboró con él en algunos trabajos gracias a su exquisita caligrafía y a su buen gusto.

Otras facetas de Andy fueron el video y las películas, de hecho fue el primero en usar esta técnica como expresión de arte y filmó cientos de horas de sus actividades y las de sus amistades y protegidos que visitaban su enorme taller llamado The Factory, ese era el sitio donde tenías que estar si tenías alguna vinculación  con las artes

Mohamed Alí

Mohamed Alí

plásticas o la música para ser alguien. Era tal su influencia que con su sola aprobación impulsó las carreras de Velvet Underground, Nico, Basquiat, Jack Armstrong, Steve Kaufman, Ultra Violet entre otros. Después se vería quienes fueron reales talentos y quienes solo personajes aprovechando sus 15 minutos de fama, una de las frases más conocidas de Warhol y que todo el mundo utiliza hoy en día.

Campbells

Latas de sopa Campbells

Y por supuesto no es lo único que todo el mundo imita hoy en día de lo hecho por Warhol. Debido a la moda retro, que ha puesto de moda las tendencias de los años 70 y 80, Andy Warhol sigue en boga y tal vez más que antes. Hoy sus obras se valoran en precios impensables en los 80 y hace poco alcanzaron su pico más alto. Es hoy un personaje de culto que incluso ha inspirado una fragancia. Si van a ver galerías de arte en cualquier lugar del mundo siempre hay alguna exposición en homenaje o van a encontrar artistas que tratan de reinventar el pop art. No hay duda: está de moda aunque ya no está en este mundo hace 23 años. Y cuando digo de moda puedo decirlo literalmente ya que ha inspirado toda una colección de ropa de la famosa diseñadora pop Betsey Johson. La influencia de Warhol está en todas partes, simplemente miren a su alrededor y encuéntrenla en afiches, obras de arte, moda y diseño.

Andy Warhol come una hamburguesa

Vitrina de Barney´s en homenaje a Warhol

Andy Warhol en Japón

Más sobre Andy:

Exposición en Lima del 2007

Biografía en castellano

Warhol at Phillips de Pury tops New York contemporary art sales

La fundación Andy Warhol

Caravaggio, el primer tenebrista

Lo dice: claudics

Obras de Caravaggio

Algunas de las obras célebres de caravaggio: Muerte de la Virgen, San Francisco y La crucifixión de San Pedro

Michelangelo Merisi (llamado Caravaggio por su ciudad natal), el pintor que dio origen a la tendencia tenebrista era un artista revolucionario y apasionado pero con una vida  muy agitada. Hombre de reacciones violentas, siempre estuvo envuelto en altercados, peleas y hasta terminó comprometido en asesinatos lo cual le obligó a huir varias veces. Posiblemente fue producto de la sociedad de su época. Eran los tiempos agitados de la Contrareforma y eran cosa común las torturas y ejecuciones públicas, las guerras muy sangrientas, enfermedades como la peste asolaban y diezmaban poblaciones enteras, la vida podía muy difícil. Aunque Caravaggio pasó por muy buenas épocas gozando de fama y prestigio contando entre sus protectores y mecenas a personajes infuyentes como el cardenal Francesco del Monte, la familia Colonna y nada menos que a un santo, Carlos Borromeo, quienes siempre lo protegieron en sus constantes reyertas callejeras e incluso le proveyeron escondite cuando se vió envuelto en crímenes.

En cuanto al periodo artístico, había terminado el Renacimiento que había llegado a la cumbre de la perfección estética con las obras de los grandes maestros Miguel Angel, Leonardo y Rafael. Como estos artistas no podían ser superados, los artistas que los siguieron crearon el manierismo. Caravaggio no cultivó ese estilo reinante en el período en que empezó como aprendiz, el prefirió desarrollar su propio estilo, dejarse llevar por sus sentimientos, su pasión y por lo que veía del mundo a su alrededor: El tenebrismo. Este es un estilo pictórico perteneciente al arte Barroco que utiliza la técnica del claroscuro como elemento principal de expresión. El claroscuro acentúa un fuerte contraste entre luz y sombra, casi sin medios tonos, y en el cual los objetos iluminados destacan con mucha fuerza porque la luz los moldea y da carácter a los personajes envueltos en la misma.

Ecce Homo
Ecce Homo

Sus temas son reales, impactantes, con movimientos bruscos y captados en el momento de mayor tensión. Las expresiones de los rostros dejan de ser beatíficas como en el Renacimiento para ser humanas y con detalles del día a día. El tenebrismo constituye una contribución pictórica de trascendencia en el arte universal e influye de gran manera como estilo artístico en  toda Europa manifestándose el llamado Caravaggismo principalmente en Italia, Francia, España y los Países Bajos y en grandes maestros como Guido Reni, Rembrandt, Georges La Tour, Zurbarán, Murillo y Velázquez.

En un principio Caravaggio fue criticado y sus obras rechazadas especialmente por la iglesia que consideraba indigno que los santos no fueran hermosos, que tuvieran los pies sucios, que los modelos fueran gente común y corriente retratados con sus defectos físicos  o que para los funerales de la Virgen María usara de modelo a una mujer ahogada en el Tíber con el rostro arrugado y el estómago hinchado. Pero después este estilo fue utilizado, con las correcciones necesarias, por la misma iglesia para difundir la fe y como elemento ejemplificador en los fieles, sobre todo en el tenebrismo español que llegó hasta las colonias como el Perú. Uno sentiría temor en esa época lejana al entrar a una iglesia de enormes bóvedas y surgiera con gran fuerza y dramatismo desde la oscuridad, la imagen de un Cristo crucificado en toda su crudeza.

El Beso de Judas
El Beso de Judas o La Captura de Cristo

Posteriormente el tenebrismo cayó en el olvido hasta el siglo XX en que fue  rescatado en la pintura y en otras manifestaciones artísticas como el cine y la fotografía que necesitaban el uso fuerte de la luz, dramatismo y realismo como en el caso del Expresionismo alemán y el Film Noir. Y ahora, es un estilo muy usado en nuestros días por los artistas, sobre todo principiantes, que quieren en sus obras el dramatismo y la fuerza que da el uso de la luz.

Al cumplirse 400 años del fallecimiento del artista este 2010, hay gran expectativa por las exhibiciones conmemorativas en toda Europa y algunos hechos relevantes han suscitado gran interés en el redescubrimiento de la obra del maestro. En los últimos días una muestra de las obras de Caravaggio en Roma suscitó largas colas en el Museo Scuderie del Quirinale que celebró su décimo aniversario con esta exposición y a pesar del fuerte calor del verano europeo, hubo mucho interés en ver su legado. Esta muestra presentaba 24 de sus obras más conocidas y confirmadas como pintadas exclusivamente por él. Links sobre la exposición aquí, acá y acá. Y hasta el mes de octubre de este año estará otra exposición en Florencia presentando alrededor de 100 obras de Caravaggio y de sus seguidores, los llamados caravaggeschi, que fueron recolectadas por los Medici.

Este interés por Caravaggio seguramente ha sido incrementado con la noticia de que se han encontrado los restos mortales del artista y que se han esclarecido  finalmente las causas de su muerte. Hay una seguridad del 85% de que ese sea verdaderamente el cuerpo del artista, dicen los científicos italianos que hicieron el descubrimiento en una fosa común y que han concluído que su temprana muerte fue a causa de intoxicación por plomo combinado con otras enfermedades e infecciones. El plomo causa alucinaciones y desvaríos lo cual justificaría que terminara sus días como enajenado mental en las calles de Toscana.

Hay, además, una nueva biografía que me muero por conseguir y del que el Telegraph hace una revisión interesante, acá y acá. Y para crear más expectativa entre artistas y aficionados al arte hay una investigación el caso de los dos cuadros de San Francisco atribuidos al pintor y que se reseña en este blog (en italiano). También en Italia se ha convocado a un concurso internacional de pintura y fotografía llamado Sombra y  misterio en homenaje al maestro del claroscuro.

Otros hechos que han sido noticia recientemente respecto a Caravaggio:

Caravaggio robado fue recuperado

Los restos atribuidos a Caravaggio se exhiben en la ciudad toscana donde murió

Desenterrando dudas sobre los restos de Caravaggio

Caravaggio siempre ha estado presente tanto en el cine como en la televisión, hay referencias de una película basada en su vida de 1941 y hay otra de 1984 pero aparte de la información que provee IMDb, no he podido encontrar nada más, así que si alguien tiene links al respecto sería genial si los compartiera. Acá algunas imágenes de documentales y películas basadas en su turbulenta vida:

Documental de la BBC Power of art sobre el artista (Primera parte)

Caravaggio, película sobre la vida del artista dirigida por Derek Jarman con Nigel Terry, Sean Bean y Tilda Swinton (parte 1 de 12)

Trailer de la película I. M. Caravaggio ambientada en las Vegas en tiempos actuales

Bizet y Carmen, eternos.

Lo dice: @claudics

Carmen

Afiche de una las tantas representaciones de la ópera Carmen

Todos sabemos que Georges Bizet fue el creador  de Carmen, una de las operas más conocidas y representadas en el mundo entero y que trasciende las límites del mundo operático. Este es un pequeño homenaje al gran maestro y a su obra de fama universal al cumplirse hoy, 3 de junio, 135 años de su fallecimiento.

No se necesita ser un experto en lírica para reconocer al instante sus arias y marchas (incluye audios) ya que se utilizan todo el tiempo en  el cine y la publicidad y ya forman parte de la cultura popular. Recuerdo que de muy niña pude ver la película, y luego serie de televisión, Bad new bears donde se escuchaba una música de orquesta poderosa y maravillosa que me encantó. Pronto descubrí que se trataba de la obertura de Carmen fisgando entre los vinilos de mi papá y no podía parar de tocarlo una y otra vez (hasta que se rayó). De la misma manera disfrutaba cuando en Plaza Sésamo repetían la escena de la naranja soprano cantando:

“L’Amour est un oiseau rebelle (El amor es un pájaro rebelde)
Que nul ne peut apprivoiser (Que nadie puede domar)
Et c’est bien en vain qu’on l’appelle, (Y es inútil llamar,)
S’il lui convient de refuser.” (Si él debe rechazar.)

Georges Bizet

La letra y música de Carmen han sido utilizadas una y otra vez en comerciales de los más diversos productos, se han hecho adaptaciones al ballet, a películas (incluso una muy mala “Hipopera” con Beyoncé), a obras de teatro y su personaje constituye  el símbolo de la sensualidad y belleza de la mujer española así como un ícono de lo gitano, la pasión, los celos y el amor.

Bizet no solo escribió Carmen, entre sus obras destacadas este genio también cuenta con La Arlesiana, Djamileh y Jeus d’enfants y de acuerdo a Franz Liszt también era un destacado pianista. Y como cierre diremos que en algún  teatro del mundo siempre se está escenificando alguna obra de Bizet y esta seguramente es Carmen. Para confirmarlo pueden ver estos links: Londres acá y acá, Madrid, Malta, México, Valencia y Miami entre otros lugares.

María Callas canta Habanera en el Covent Garden

Carmen, película dirigida por Franceso Rosi con Plácido Domingo y Julia Migenes

Escena de Carmen de Carlos Saura

Suite del ballet Carmen con Maya Plisetskaya para quien se hizo la coreografía originalmente

Una naranja canta La Habanera en Plaza Sesamo

Comercial de Ajax con música de La Habanera

Comercial de Pepsi con La Habanera

Carmen en Lima, Asociación Romanza temporada 2007. Teatro Segura ¿no puedieron verla? Acá un fragmento.

Vamos al museo. Vamos a Comer

Lo dice: @claudics

Museo Tumbas Reales

Museo Tumbas Reales

Para conocer de verdad un pueblo uno debe hablar con su gente, comer su comida típica y visitar sus museos. Los dos últimos temas son los que nos atañen ahora. Primero porque se ha celebrado El Día Internacional del Museo el pasado 18 de mayo con diversas actividades a nivel mundial pero los peruanos no disfrutamos de nuestros museos como deberíamos hacerlo quizás porque se piensa que son aburridos, la entradas cuestan y siempre los gastos urgentes terminan dejando de lado a lo importante. Sin embargo lo que nos llena de orgullo, “nuestro ancestral pasado y gran bagaje cultural”, está encerrado en los museos, nuestros fracasos y triunfos y el entendimiento de nuestra evolución como sociedad para afrontar el futuro. Los museos son sitios interesantes para visitar, aparte de los restos arqueológicos y obras de arte tienen dioramas, muestras interactivas, interesantes cronologías e infografías que ayudan a entender mejor el recorrido.

Practicamente conozco de memoria, por los cientos de veces que fuimos, el Museo de Antropología, arquelogía e historia y al Museo Larco Herrera de Pueblo Libre o a Pachacámac simplemente para pasear y claro, cuando llegaba algún amigo o pariente de provincia estos lugares eran puntos obligados para el tour limeño. Una clase de historia del Perú completa.

Habría que aprovechar que acá en Perú, hasta el domingo 23 de mayo, se podrán visitar muchos de los museos gratis o por el precio simbólico de un sol. Acá la lista de los museos que participan del evento.

Algunas de las celebraciones internacionales: En Ottawa, Singapur, Houston, Malasia, El Prado, Moma, etc.

¿El rey de la comida peruana?

¿El rey de la comida peruana?

Sobre la comida, aún está en cartelera la obra de teatro Comer, una obra en tres platos para estómagos hambrientos que cuenta a través de danza y los diálogos la relación de los peruanos con la comida. Disfrutamos sobremanera de la comida, celebramos y compartimos comiendo. Nuestra gastronomía está pasando por un gran momento a nivel internacional, lo cual nos llena de orgullo, levanta nuestra autoestima y nos da identidad pero hay una serie de asuntos no resueltos frente a un plato de comida y son algunos puntos que toca y reflexiona esta obra de teatro-danza. La relación con la madre a través de la leche y sus típicas palabras como que la comida no se bota, la comida se prepara con amor, el desprecio por una comida barata o un alimento no occidental como el cuy. ¿El pollo a la brasa es el rey de nuestras mesas? Esa comida no es gourmet. Se puede comer rico y barato ¿por qué a una mujer hermosa se le define con terminos culinarios “que rica estás” “La peruana más sabrosa”.

Todo viene del placer sensorial que significa la comida y como está asociada con nuestros patrones psicológicos y obviamente con el sexo. En Perú, además constituye junto con nuestro pasado milenario, la piedra angular de nuestra identidad, nos llena de orgullo que restaurantes de comida peruana sean considerados entre los mejores del mundo y nuestros platos alabados en el mundo entero, no tendremos mucho más de que jactarnos pero esas noticias nos hacen el día. En general es una obra muy gustosa, está hecha para disfrutarla y es interesante para poner en letras y en escena nuestra intensa relación con la comida.

En otros países ya se ha tratado este tema con obras bien conocidas como Comer, beber, amar, El festín de Babette, Como agua para chocolate y Afrodita por nombrar algunas que me vienen a la mente.

Algunos enlaces con comentarios y críticas de la obra:

La casa que baila

El teatro de mi vida

Sal de tu casa, El Comercio

Alianza Francesa

La obra va hasta el lunes 24 de mayo, 7:45 pm en la Alaianza Francesa de Miraflores.

From Hort to Heart en Perú

Lo dice: @claudics

Diseños de Hort Estudio

Algunos diseños clásicos de Hort.

Eike König es un diseñador gráfico alemán dueño del famoso y vanguardista estudio de diseño Hort. Esta es una antigua palabra alemana para kindergaten, un jardín de infancia que es un lugar seguro donde los niños juegan y crecen. König pensó que no hay un sitio así para los adultos así que lo creó. El y sus 10 diseñadores trabajan en un ambiente amistoso, seguro y creativo y como son adultos, juegan si, pero seriamente. “Play seriously” es su lema y el pasado 28 de abril hizo una conferencia (como parte de la su gira sudamericana cual rockstar) sobre su trabajo y sus motivaciones en Plaza Isil de larcomar frente a una sala llena de entusiastas diseñadores y publicistas que querían ver y escuchar al creador detrás de impresos, campañas, spots, portadas de discos, etc. tan diferentes y contundentes que se ha hecho conocido internacionalmente y ha llamado la atención de grandes transnacionales como Playboy, Nike para la estrella de la NBA Lebron James y MTV, lo cual no es de extrañar porque comenzó realizando cubiertas de discos para bandas de música alternativa, como se refiere en esta entrevista de diciembre pasado y en esta otra de marzo del 2009.

Algunos otros ejemplos
Postales de Hort Design

Entre otras cosas interesantes contó que solo una vez participó de un evento de premiación  y no ha vuelto a hacerlo porque es demasiado caro e inútil y prefiere invitar a comer a la gente del estudio con ese dinero.

Una vez un cliente esperaba una tapa de disco con un  diseño sexy y sugerente porque quería la asociación de la suavidad y la sutileza con su marca, en vez de eso presentó la animación de un atleta que saltaba delicadamente hacia un urinario. Es que los clientes no pueden esperar que se haga exactamente lo que quieren porque el diseño es un proceso que puede ir cambiando a medida que se van solucionando los obstáculos pero debe haber una gran comunicación con los clientes de tal manera que ambos queden satisfechos.

En la eterna discusión de si el diseño gráfico es arte, König considera no lo es pero que  se puede diseñar de una manera muy artística y esa es la mejor forma de hacer las cosas. Otro tema tabú que tocó es el logotipo, él considera que en muchos casos ya no es lo más importante dentro de una identidad corporativa, el prefiere crear un sistema (formado por tipografía e imágenes) que identifique la marca o al cliente.

Sobre su filosofía: el trabajo debe ser divertido de lo contrario no tiene sentido. Al estilo de los empleados de Google, el personal del estudio trabaja en el horario que más les convenga y las horas que crean necesarias en un ambiente agradable y casi familiar. Cada uno aporta al equipo con lo que mejor hace y eso hace que sea un grupo productivo, fuerte y con muchos talentos. No tienen ejecutivo de cuentas por lo tanto los diseñadores tienen contacto con los clientes lo cual los acerca más y les permite entender sus necesidades. Es que un diseñador es alguien que entiende la vida, sabe como vivirla y puede comunicarlo.

Uno debe aprender a decir no a un cliente en algunas oportunidades y habrán clientes que a pesar de eso querrán seguir trabajando con uno y tal vez con más ganas.

Algo importante que los centros de estudio no enseñan es la ética de trabajo y la valorización del mismo. Muchos estudiantes y hasta diseñadores ya graduados malbaratean su labor pero no se dan cuenta que con eso arruinan su propio futuro.

Fue una charla larga de alrededor de 2 horas y media pero tan entretenida que ni se sintió ya que Eike König es una personalidad simpática y empática. Hubo un buen trabajo de traducción y la presentación multimedia estuvo muy bien. Ojalá en el futuro haya más eventos de este tipo que nos permitan conocer de primera mano que ocurre e otros lugares del mundo.

Algunas muestras del trabajo de Hort:

Video de estrella del hip hop aleman, Sido. Hort rediseñó la imagen y el look de este artista que quería ser menos violento pero igual de gangster y duro. La síntesis en este video:

Spot de Sido para MTV, el humor siempre presente:

Video para grupo pop Timid tiger y su tema de lanzamiento Electric island. Hort trabajó toda la imagen de la banda.

Clip viral de la banda Zpyz

[Vimeo 11337545]

Algunas fotos de Perú del Flickr de Hort acá

El precursor del pop-art

Lo dice: @claudics

Just what is it that makes

Just what is it that makes today's homes so different, so appealing

Tal vez su nombre no te diga mucho pero este artista británico nacido en 1922 fue quien acuñó la palabra pop art y es uno de sus primeros exponentes. Seguramente no es tan conocido como Andy Warhol o Roy Lichtenstein , sin embargo si ves alguno de sus trabajos lo reconocerás inmediatamente. Su obra maestra Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing que representa a una sociedad que aparentemente lo tiene todo y sin embargo no tiene nada, está vacía por dentro; se ubicó en el puesto 4 del ranking de Galenson quien contó el número de veces que una obra artística aparece en 33 libros de historia del arte editados después de 1990. Lo cual demuestra que es un referente artístico y cultural.

Mucha gente e incluso algunos artistas, no consideran que el pop art sea arte en realidad como la pintura o la escultura clásicas debido a que usa técnicas mixtas y combinadas de collage, pintura, fotografía, video, instalaciones, intervenciones, música, ‘happenings’ y todas las posibilidades que se le puedan ocurrir a los artistas. El pop art se basa en la ametralladora información visual que recibimos día a día y se nutre de la publicidad, la televisión, la moda  y las tendencias que ciertos sectores de la sociedad inglesa de esa época deseaba expresar y liberar. Un buen estudio acá. Sin embargo este tipo de arte acerca al gran público a la plástica porque lo siente cercano y conocido, diferente del arte clásico que es percibido por la mayoría como lejano y elitista, por lo tanto inalcanzable.

the citizen

The citizen. Bobby Sands.

En 1956, Hamilton participa en un proyecto innovador de integración de las artes con un arquitecto y un escultor para crear espacios visuales lo cual resultó en la exposición This is tomorrow que incluía fotos de revistas, imágenes de publicidad, una foto gigante de Marilyn Monroe y un robot que anunciaba una película de ciencia ficción. Todo eso mucho antes de que esas manifestaciones artísticas fueran comunes y populares. Como muchos artistas pop se relaciona fuertemente con la música: diseña carátulas de albums de música como es el caso de la legendaria tapa del Album Blanco de The Beatles y fue una  influencia mayor en la música y estilo de Roxy music como lo reconocen Bryan Ferry y sus colegas en el libro Re-make/Re-model de Michael Bracewell.

Hamilton jamás ocultó su visión política en su obra. En el pasado retrató a Thatcher, a un activista en huelga de hambre, un mapa de Palestina y su célebre tostadora. En estos tiempos tecnológicos, Hamilton recurre al Photoshop y retrata a Tony Blair en su muestra ‘Richard Hamilton: Modern Moral Matters’, actualmente en la Serpentine Gallery de Londres que ha originado genuina expectativa en el mundo del arte y los medios que han hecho una gran cobertura reconociendo en Hamilton a sus 88 años, a una leyenda del pop art y casi a un pop star.

Album blanco.

El legendario Album Blanco.

Interesantes reseñas:

Zarpazos políticos de una leyenda del pop, El País

Pop goes politics for Richard Hamilton, London Evening Standard

Richard Hamilton: altered images, The Independent

Richard Hamilton; British visionary, The Telegraph

Richard Hamilton at the Serpentine, Guardian

Modern moral matters at the Serpentine, Artdaily

Video de la exposición:

El lado más comprometido del pop-art. Vía agencia Efe:

¿Qué? ¿Creían que no iba a poner a Roxy music cantando Re-make/Re-model?

Celebrando a Chopin

Lo dice: @claudics
Chopin

Fréderick Chopin

A pesar de que han transcurrido 200 años desde su nacimiento Frédéric François Chopin (bautizado como Fryderyk Franciszek Chopin) es totalmente actual pues la música que compuso aún llega al corazón y motiva nuestros sentimientos con sus valses, nocturnos, preludios, mazurcas y polonesas. Aquellas joyas de 3 minutos con soberbia técnica y sofisticadas armonías que equivaldrían a 3 horas de ópera o sinfonías de otros compositores, en mi modesta opinión, y porsupuesto no soy la única que piensa así.

Han habido celebraciones en todo el mundo para celebrar su cumpleaños, o sus cumpleaños, porque no se sabe a ciencia cierta si la verdadera fecha es la que aparece en la partida de nacimiento(22 de febrero) o la que solía celebrar con su familia (1 de marzo). Una de ellas, muy original,  fue un maratón de 171 horas de música ininterrumpida en Varsovia.

El piano de Chopin

Piano de la última gira de Chopin

Algo muy inusual es el homenaje de Wall Street al gran pianista. En vez de escuchar el tintineo de monedas y los timbres de las acciones, los operadores y trabajadores disfrutan de su música durante todo el día.

También se imprimieron billetes conmemorativos de 20 Zlotys en honor a Chopin.

En Varsovia la Pinacoteca Chopin presenta una exposición con más de 400 objetos relacionados al artista y en la misma ciudad, se ha inaugurado un nuevo museo en honor del músico, hijo ilustre de la ciudad. Ver aquí y acá. Desde el lugar parte una ruta de turismo por los principales lugares de la ciudad donde el músico transitó y vivió.

Asimismo, la oficina de turismo de París ofrece una ruta cultural llamada La Balada de Chopin (En francés. Gracias Google translate) que incluye el jardín de la Tullerías, la Biblioteca polaca, el conservatorio, el cementerio du Père Lachaise y el Musée de la Vie romantique o Museo de la Vida Romántica con una exposición de más de 90 obras de arte relacionadas a Chopin, Sand y al romanticismo, estilo del que ésta pareja célebre constituye el epítome mayor por su amor apasionado y final trágico. Además Cite de Musique presenta otra exposición llamada Chopin in Paris – the Composer’s Workshop. Breves reseñas acá

George Sand

George Sand

Palma de Mallorca honra a Chopin y George Sand con una placa conmemorativa en el lugar donde solía estar el primer alojamiento a donde llegó la pareja.

Y no hay mejor homenaje que escuchar la música del maestro a todo volumen y con lágrimas en los ojos, como corresponde.

Vals del minuto

Nocturno Op.9 No.2 por Arthur Rubinstein

Chopin ballade No. 1 en G menor, escena de la película La Note Bleue (1991) con Sophie Marceu y Janusz Olejniczak

Prelude No. 4

Mazurca Op.24, No.1

Polonesa heroica por Arthur Rubinstein

La marcha funebre

Los castrati, dioses y monstruos de la música

Lo dice: @claudics

Farinelli

Poster de la Película Farinelli (1994)

Hubo una época en la historia en que el sacrificio en nombre del arte era algo común. Durante el barroco italiano, entre los años 1600 a 1750, debido a órdenes de la iglesia Católica, las mujeres estaban prohibidas de cantar en iglesias y en espectáculos públicos por lo que los coros estaban formados de niños que hacían las voces de soprano hasta que les cambiaba la voz y debían dejar de cantar.

Surgió entonces la figura del castrato, que siendo niños y demostrando talentos especiales para el canto y la música, fueron elegidos para el nada apreciable honor de ser emasculados con lo cual se lograba que sus cuerdas vocales; las que naturalmente se agrandarían durante la pubertad y adolescencia por el aumento de las hormonas masculinas, detengan ese crecimiento. Con este proceso el castrado tendría la voz de alto de un niño soprano con el poder del pulmón de un hombre adulto. Además eran sometidos a rigurosos entrenamientos vocales y musicales por los grandes maestros de la época como Nikola Porpora lo cual sacaba de ellos sus mejores habilidades y lograba voces maravillosas que encandilaban a su audiencia.

Varios de los castrati como Farinelli, Senesino y Cafarelli, fueron muy famosos y celebrados, tuvieron riqueza, notoriedad y puestos de importancia durante el período de oro de este género musical. Eran engreídos por  nobles,  reyes y compositores quienes les soportaban caprichos de diva y componían arias para el lucimiento de estas estrellas, incluso el gran maestro Handel que escribía para Senesino. Pero la mayoría no corrió con esa suerte. Cada año eran castrados alrededor de cuatro mil niños en Italia los cuáles en el mejor de los casos terminaban cantando en coros de iglesias o enseñando canto por modestos sueldos. Otros no tuvieron más remedio que dedicarse a la prostitución o sucumbir a la depresión, la pobreza y el suicidio.

Farinelli

Asi habría lucido el verdadero Farinelli.

Debido a la castración no solo la voz se afectaba ya que tenían problemas de salud física y emocional. Sufrían de hipogonadismo, besidad, brazos y piernas más largos de lo normal sin mencionar los trastornos de personalidad debido a la mutilación y a su incapacidad de llevar una vida sexual normal.

Después de 1760, los castrati cayeron en “desuso”, hubieron muy pocos papeles para ellos en las óperas de la época e incluso hubo la prohibición de dejar cantar en las iglesias y locales públicos a esos “fenómenos”. El último castrato que cantó en un escenario fue Giovanni Battista Velluti en 1825.

Cecilia Bartoli

Cecilia Bartoli caracterizada como la escultura de un castrati.

Inspirada en el drama de los castrati, la soprano italiana Cecilia Bartoli quien tiene una vocación de Sherlock Holmes de la música; según sus propias palabras, investigó profundamente sobre el tema y el año pasado sacó un disco especial con libro incluído que expone este sacrificio en nombre de la música con el nombre preciso de Sacrificium. Bartoli nos remonta a los tiempos de los castrati con su voz y nos conecta con el sentido barroco del estoicismo por la belleza.

Biografía e imágenes de los principales castrati acá

Alessandro Moresschi, el último castrato en la música occidental, en una grabacion de 1904. Es lo más cercano que podemos estar a las voces de los castrati del barroco pues ya no existían las escuelas ni los grandes maestros de la época.

Entrevista a Cecilia Bartoli sobre Sacrificium (en inglés)

De Monstruos y Prodigios: la Historia de los Castrati. Obra de teatro mexicana escrita por Jorge Kuri y dirigida por Claudio Valdés Kuri

Mozart escribió un papel para castrato (Cavalier Ramiro) en su ópera La finta giardiniera. Acá el aria Se l’augellin sen fugge interpretada por el soprano masculino Arno Raunig.

Escena de Farinelli, película sobre el más famosos de todos los castrati. Cuando se retiró de los escenarios fue cantante personal de Felipe V de España, a quien curó de la depresión con su voz y se convirtió en consejero del monarca y tuvo mucho poder.

Artista de la ilusión: Arcimboldo

Lo dice: @claudics

Cuisinier. Al derecho y al revés, funciona.

El Bibliotecario (circa1566) "retrato compuesto" hábilmente ensamblado con una pila de libros, se ha interpretado como una parodia de la bibliotecología y de la intelectualidad en general y una alusión al bibliotecario Wolfgang Lazius. Considerado además como una muestra de cubismo 350 años antes.

En estos últimos días me encontré en documentales, libros y páginas web referencias al artista manierista del alto Renacimiento Giuseppi Arcimboldo (1527-1593), también conocido como Arcimboldus o Arcimboldi, y no podía ser de otra forma porque su influencia en el arte se extiende hasta nuestros días. Este pintor, nacido en Milán, fue muy famoso y celebrado en su época debido a su creatividad y originalidad comparable solo a la de El Bosco.

Como un buen hombre del Renacimiento era capaz de destacarse en varias facetas; de esa manera fue un exquisito organizador de eventos reales, que en esos tiempos abarcaba no solo la coordinación y la selección de la comida y bebida más sofisticada y extravagante sino elaborar entretenimientos para los cortesanos en una época donde la tecnología era aún muy incipiente pero se las ingenió para crear efectos diferentes que maravillaran a los espectadores. Actualmente es considerado por muchos como el padre (o si quieren, el abuelo) de la multimedia al inventar el órgano de luces (harpsichord of lights), una especie de piano que combinaba los sonidos de las teclas con luces y sombras en movimiento para entretenimiento de la familia real. En 1590, este hecho fue reseñado por Gregorio Comanini (autor de uno de los primeros tratados sobre el arte que se ha escrito en Italia).

Autorretrato del artista.

Sin embargo, poco tiempo después de su fallecimiento cayó en el olvido y no fue hasta el siglo XX en que volvió a ser apreciado en toda su magnitud y comienza a cobrar nuevamente gran importancia al ser descubierto por artistas innovares en cuyas obras influenció ya que durante siglos fue considerado como una curiosidad artística, un inventor de juegos visuales y artificios pero Arcimboldo fue y es aún, mucho más que eso.

Sala Mae West del Teatro-Museo Dali de Figueres

Arcimboldo ha sido una gran influencia en los pintores surrealistas como Salvador Dalí, en artistas gráficos creadores de ilusiones ópticas como M.C. Escher y escultores como Markus Raetz sin mencionar que todo aquello que muestre una figura humanoide formada por objetos inanimados tiene una referencia a él. Como el personaje imagen de Michelin.

Homenaje animado al maestro: Boldo, el genio de la sopa en la película Desperaux.

Un claro ejemplo de su actualidad es la muestra francesa de 2009 Une image peut en cacher une autre (One image may hide another) donde se presentó la influencia de Arcimboldo en Salvador Dal y en Markus Raetz y sus obras. Algunos artistas en quienes claramente influyó: Hanoch Piven, Bernard Pras, considerado un Arcimboldo moderno.

Galerías de obras: aquí y aquí

Exposición en Viena de la obra de Arcimboldo

Un video musical “arcimboldesco“: Sledgehammer de Peter Gabriel

Retratos “arcimboldescos” animados con After Effects

Selección de obras del artista

Pina Bausch: En búsqueda del movimiento

Elenco Pina Bausch

Pina Bausch

Pina Bausch fue una gran innovadora de la danza moderna, creadora de la danza-teatro; adorada por muchos y no tanto por otros al considerar que rompía esquemas del arte de Terpsícore pero en esta silla nos gusta la gente vanguardista, que puede escapar de los moldes pre-establecidos y con su creatividad y trabajo logra cosas nuevas, diferentes y maravillosas.

Todo eso era Pina Bausch: bailarina, coreógrafa y profesora que nos donó piezas inolvidables de la danza contemporánea y sigue siendo una fuerte influencia en los bailarines de nuestro tiempo pues estuvo activa en su trabajo hasta sus días finales. Algunas de sus obras más conocidas son Café Müller, Il lamento dell’imperatrice (El lamento de la Emperatriz), Aqua y Ten Chi. Además participó en las películas E la nave va (Y la Nave va), de  Federico Fellini en 1983 donde interpretó el papel de la Principessa Lherimia y en Hable con Ella de Pedro Almodóvar en 2001.

Si les gusta Pina pueden asistir al Homenaje que el Instituto Goethe le brinda en su Auditorio este 9 de diciembre a las 19:30 horas; titulado En búsqueda del movimiento que presentará danza, documental y conferencia. El ingreso es libre. Participan Morella Petrozzi, Michel Tarazona y Sofía Rebata.

Dicen que era parca, que no le gustaba hablar mucho de su trabajo y prefería que el baile lo explicara todo. De esa manera dejaremos que la danza fluya con las piezas que les mostraremos a continuación.

Vollmond (Hong Kong Festival)

Fensterputzer laveur de vitre

La danza de la emperatriz

Pina Bausch en Hable con ella, una pieza de Café Müller

le Sacre du Printemps-Pina Bausch Wuppertal Tanztheater

Participación de Pina Bausch en Y la Nave va