Archivo de la categoría: Cultura

Reseña de The Hypo: The Melancholic Young Lincoln y entrevista a su autor Noah Van Sciver

Lo dice: @fatimatv

hypocover_custom-33af9a9e2de0e8c6bc4af15f5d3884e5c67b94b3-s6-c10

The Hypo: The Melancholic Young Lincoln, es el título de la primera novela gráfica del dibujante e ilustrador estadounidense Noah Van Sciver (Denver, 1984). Supe de él gracias una reseña del buen amigo Ciudadano Pop y apenas pude lo compré por nuestro querido y nunca bien ponderado Amazon.com. Luego de haberlo leído, debo decir que, siendo mi primera aproximación a Van Sciever, quedé gratamente sorprendida.

Esta novela gráfica aborda un periodo poco conocido (1837 – 1842) de la vida de uno de los principales íconos de la historia de Estados Unidos, Abraham Lincoln, su juventud (veintitantos) y primeros acercamientos a la vida política.  Considero que su principal valor radica en su aproximación a Lincoln como un ser  humano con la ansiedad e inseguridades de cualquier mortal, muy lejos del endiosamiento y sublimación de la mayoría de bibliografía o filmografía relacionado a este personaje. Lo dicho hace que el lector conecte rápidamente con el joven Lincoln y que incluso se identifique con él. Si bien nos encontramos ante un género de historia ficcionada, Van Sciver realizó un gran trabajo de investigación para llegar a este tan buen resultado.

porchponderingAdemás de su lucha interna, picos depresivos y extremada autoexigencia, esta novela nos muestra a Lincoln padeciendo de una especie de patología que él llama “The Hypo” (hipocondría), que  básicamente consistía en la somatización de su crisis emocional. Parece mentira que la figura tan solvente y recordada por tomar algunas de las decisiones más importantes de la historia de los Estados Unidos, haya pasado por todo lo mencionado en su juventud. Realmente hay que tener una gran fortaleza y perseverancia para madurar y fortalecer el espíritu de esa manera. Muchos autores podrían haber caído en la caricaturización del personaje, pero Van Sciver se las arregló para manejarlo con sobriedad y verosimilitud.

remote_image_cee086adf5Otro aspecto que destaca de The Hypo es el etapa de enamoramiento entre Lincoln y la joven y aristocrática Mary Todd. Si bien los problemas derivados de la oposición incial al compromiso por parte de la familia Todd, por la diferencia de clases sociales entre ambos, generaron ansiedad y miedo al comprimso en Lincoln, considero que el soporte emocional de Mary, ayudaron al buen Abraham a recuperar seguridad y seguir firme en escalar en la vida política.

HypoMe es imposible no comparar el enfoque de este libro con la película Lincoln de Steven Spielberg. Como ya señalé en un reseña anterior, la película pecó a santificar al personaje y no explotar su naturaleza más mundana, justo el enfoque que sí encontramos en The Hypo. A pesar de ello, ambas obras coinciden en que Lincoln fue un muy buen tipo.  Haciendo un símil en cuanto a enfoques podríamos decir que la relación entre la película Lincoln y The Hypo es similar a la de las películas de semana sante versus La última tentación de cristo :p .

Habiendo terminado con mis impresiones sobre el libro, paso a mostrarles una breve entrevista que me concedío el mismo Noah Van Sciver. Agradezco desde aquí su sencillez y gentileza en tomarse el tiempo de responderme. Debo decir que Noah estaba bastante sorprendido de que en el Perú conociéramos de su obra. Obviamente la entrevista fue en inglés, así que mil disculpas si la traducción no está tan buena.

627

@fatimatv: Cuándo descubriste tu pasión por los cómics y la ilustración?

Noah Van Sciver: Cuando era muy pequeño. De niño estaba siempre dibujando y creando mis propios cómics.

@fatimatv: Cómo te animaste a hacer una novela gráfica sobre una personaje tan icónico para la historia de Estados Unidos como los es Abraham Lincoln?

Noah Van Sciver: Yo me interesé en Lincoln porque él está por todos lados aquí. Yo quería investigar y encontrar más cuestiones oscuras en su vida, saber quién era él realmente, o simplemente aceptar la visión romántica sobre él. Curiosamente, él en realidad fue un muy buen tipo, tal como decían que era.

@fatimatv: En tu vida personal o carrera artística, alguna vez te has sentido tan angustiado e inseguro como el joven Liconln que muestras en The Hypo?

Noah Van Sciver: Mucha ansiedad. Inseguridad todo el tiempo. Pero todo basado en cuestiones superficiales. Ciertamente no podría comparame con Lincoln.

@fatimatv: Viste la película Lincoln, dirigida por Steven Spielberg y protagonizada por Daniel Day-Lewis ? Te gustó? Qué opinas de su aproximación a Lincoln como ser humano?

Noah Van Sciver: La vi un par de veces. Realmente me gustó. Pienso que hicieron un excelente trabajo.

@fatimatv: Te encuentras trabajando en otra novela gráfica? Nos podrías hablar sobre tus próximos proyectos?

Noah Van Sciver: Estoy trabajando en un nuevo libro llamado “Saint Cole”, del cual se pueden leer los dos primeros capítulos aquí http://www.theexpositorcomics.com/noahfull.html

@fatimatv: Cuáles son tus referencias cómo artista, en cuanto a literatura, música, cine? Podrías mencionar algunos dibujantes que admires?

Noah Van Sciver: Robert Crumb, Joseph Remnant, Daniel Clowes, John Porcellino, básicamente el mismo grupo dibujantes del que todo el mundo habla. En cuanto al cine, realmente me encantan las películas de  Woody Allen y de Noah Baumbach.

Life of Pi o fábula de Esopo en 3D

Lo dice: @claudics

Life_of_Pi_movie_wallpapers-1680x1050.bmp-001

FICHA TÉCNICA

AÑO: 2012
DURACIÓN: 127 minutos
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Ang Lee
GUION: David Magee (Novela: Yann Martel)
MÚSICA: Mychael Danna
FOTOGRAFÍA: Claudio Miranda

PREMIOS: 11 nominaciones al Oscar, incluyendo Mejor Película y Director. Globos de Oro: Mejor Banda Sonora. Tres nominaciones, incluyendo Mejor Película Drama. BAFTA: Mejor Fotografía y Efectos Visuales. Nueve nominaciones

ELENCO: Suraj Sharma – Pi PatelIrrfan Khan – Pi (adulto), Tabu – Madre de Pi, Adil Hussain – Padre de Pi, Shravanthi Sainath – Novia de Pi, Gerard Depardieu – El chef, Rafe Spall – Yann Martel

Trailer de Life of Pi:

Escogimos Life of Pi (Una aventura extraordinaria, tal es el título que se le ha a dado en nuestro país) para verla en la tarde de un domingo familiar porque la podía ver una niña de 10 años, aún con algunas escenas un tanto violentas para un menor pero nada muy cruento. Además, varios entusiamados amigos la habían alabado y las críticas hablaban de una gran historia de “aceptación, superación, despedidas y fe”. No se si es solo cosa mía pero hay demasiadas críticas buenas para esta película en internet, parece que en verdad ha gustado, lo cual evidentemente se traduce en la exitosa taquilla a nivel mundial. Sin mencionar que el libro en el cual está basado es un best seller con alrededor de 7 millones de copias vendidas.

Una fábula es un relato ficticio donde intervienes personas y animales con una intención didáctica frecuentemente manifestada en una enseñanza o moraleja final, instructiva para la vida. Y eso es ésta película, una extendida fábula en 3D. Y muy pretenciosa, no deja lugar a que el espectador piense.

LifeOfPiChart_FULL

La fotografía, el diseño de producción, los colores ultranaturalistas, los efectos visuales, el uso del 3D, la generación digital de los animales y el agua, los paisajes alucinantes son excelentes. Ang Lee,  el maestro del encuadre, se luce en cada toma con un espectáculo visual de gran nivel y la fotografía pertenece al nominado al Oscar Claudio Miranda (El curioso caso de Benjamin Button y Tron, el legado) quien ha diseñado una arquitectura visual que hace espirituales los espacios. En Chile, su país de origen están muy emocionados con la nominación (El ‘chileno’ que está a las puertas de la gloria de Hollywood).

Pero el argumento que en un momento del film se anunciaba interesante y generaba expectativa se derrumba, creo yo, por la manipulación de la sensibilidad del espectador. Detesto cuando el director quiere llegar a mi corazón y a mis sentimientos de manera facilista. No digo que el cineasta no te pueda manipular, claro que lo hacen pero es bueno cuando no te das cuenta. Sucede algo con esta historia que no me cuadra del todo. Puede ser lo del espiritualismo posmoderno y la religiosidad universal, y no tengo nada contra las religiones o puede ser eso de que el personaje emprende un ‘viaje épico de aventura y descubrimiento con una historia de reflexión y perseverancia y gracias a lo imbatible del espíritu humano supera las dificultades’. Demasiado “buenondismo’.

Consulté con algunas personas a quienes les gustó la película, el por qué de ello y la respuesta mayoritaria fue porque Pi supera las desgracias ocurridas con entereza, se enfrenta a lo malo y lo vence pero no necesita sumirse en su pena ni hacer escuchar a los demás su historia trágica sino que precisa cambiar su realidad y con eso cambiar de vida. Eso le ayuda a superar el trauma, evadiendo la realidad se protege y gracias a ello todo tiene final feliz. No creo que necesite spoiler alert porque a estas alturas todos ya saben de que va.

Algún amigo de Twitter (sorry, no recuerdo quién) dijo que esta película era Paulo Coelho en 3D y no puedo estar más de acuerdo. Yo no leo libros de autoayuda por lo simplistas que son y esta película es, para mi, el libro de autoayuda mejor empaquetado, con la portada y las ilustraciones más hermosas, pero un libro de autoayuda al final. Se que a mucho les gustan estos libros por el mensaje y por lo que puede significar la reflexión de la historia para sus vidas. A muchos les ayuda a mejorar su persona y sus condiciones de vida. Mucho ¿no? Creo que ahí comienza el problema, demasiado bonito. De acuerdo, a una enorme cantidad de gente eso de la autoayuda le funciona bien, de hecho les ayuda de verdad pero en el caso de esta cinta, eso no funciona. También dijeron que era el nuevo Avatar pero tampoco gusté de esa película aunque de igual manera, visualmente era buena.

Life Of Pi Poster

Me han gustado casi todas las películas de Ang Lee que he visto, menos Hulk, y en general su obra ha sido bien aceptada por la crítica y ha recibido varios premios. The Wedding Banquet, Eat Drink Man Woman, Sense and Sensibility, The Ice Storm, Crouching Tiger, Hidden Dragon y Brokeback Mountain funcionan no solo por la presentación visual sino porque ha contado historias que te envuelven y te atraen, te comunican y trascienden. Ha sido osado tocando el tema de la homosexualidad en el cine asiático y en el ambiente de los vaqueros norteamericanos y llevó el mundo de las artes marciales y el encantador exotismo de Oriente a Hollywood, más allá de la serie B.

La mejor actuación, Gerard Depardieu en el papel del cocinero malvado que es en realidad un cameo y Suraj Sharma está bastante bien para ser debutante. Este es el tipo de película que puede gustar a la Academia por la historia de superación personal, la estética del film y el exotismo de la India. De hecho tiene 11 nominaciones aunque lo más seguro es que termine llevándose los premios técnicos. Hagamos apuestas.

• El soundtrack de la película también es hermoso, como para momento grato de relajamiento. Aca va completo:

• Si quieren solo la canción de Pi, acá está con la voz de la nominada al Oscar Bombay Jayashree:

• Acá una nota del diario La Opinión sobre Claudio Miranda, un maestro de la luz.

Acá una entrevista a Ang Lee y como diferentes culturas ven Life of Pi de diferente manera.

Más notas recientes sobre Ang Lee y la película:

• Ang Lee y la experiencia inmersiva de “Life of Pi”

• ‘Life of Pi’s Ang Lee Conquers Anti-Asian Bias

Director Ang Lee preserves Chinese tradition on film sets

Oscar countdown ‘Life of Pi’

Argo revisado – Películas Nominadas al Oscar 2013

argo5

Lo dice @Dreampicker

Argo (2012)
120 min.
Género: Triller
Director : Ben Affleck

argo1

Guion: Chris Terrio, basado en el libro “The Master of Disguise”, testimonio de Antonio J. Mendez, aka Tony Mendez, ex miembro CIA y el artículo periodístico “Escape desde Teherán”, de Joshuah Bearman.

Tras la caída del Sha de irán, la embajada americana -nación acusada de proteger al ex gobernante- sufre la invasión de las multitudes opositoras, capturando a varios trabajadores extranjeros. Sólo algunos logran escapar, escondiéndose en la embajada canadiense. El gobierno americano busca rescatarlos y sacarlos del país. Para ello, la única “mejor peor idea” es la que propone un experto de la CIA: hacer pasar a los refugiados, como personal de una producción de Hollywood.

 argo2

Es una película para cualquiera que tenga ojos”

Como director, Ben Affleck hace su tarea con paciencia y meticulosidad: recrea una época turbulenta y cuenta una historia fácil de digerir, manteniéndote todo el momento esperando que el grupo de refugiados logre salir inherme de un país convulsionado y lleno de animadversión a ellos. Como actor, Ben Affleck logra plantar en escena a agente de la CIA humanizado, recursero y tal vez por ello, más cercano al espectador que los propios refugiados, quienes pasan su encierro viendo televisión, fumando y discutiendo sobre la situación política u oponiéndose algunos, a la operación de salvamento.

Argo es materia dispuesta para el Oscar por la simpleza de su planteamiento y por el tema histórico -díganme qué puede haber de novedoso, ya lo ven con Lincoln- donde siempre ganan los buenos. Por supuesto, aquel acontecimiento tiene muchos más matices, así como inexactitudes históricas que tal vez hechas notar podrían cambiar el tono del filme. No pasa, pues. Uno se traga aquellos “descuidos” y clichés, con el fin de lograr pasar un gran momento cinemátográfico que puede llevarte a recordar los grandes filmes de espías de la Guerra Fría, incluyendo -por supuesto- a los de James Bond. Algunos intentan decir que Argo ya tiene un planteamiento similar al del film Rescate en Entebbe (Raid on Entebbe, 1976), filme televisivo basado en la toma de rehenes por parte del Frente Popular de Liberación de Palestina y el grupo terrorista alemán Células Revolucionarias.

Puedes ver Raid on Entebbe en Youtube:

En lo que respecta a Argo, el planteamiento de la historia es lineal, porque sólo interesa el acontecimiento del rescate y teniendo en cuenta ello, las historias de los personajes sólo son un pretexto para que la trama no se quede colgada. Es cine de acción y por unos pincelazos -las escenas del montaje hollywoodense- cómicos, extraordinariamente refrescantes en una película que hubiera sido tremendo chanchacón melodramático.

argo3

Sin embargo, tal vez sea justo aquella simpleza de planteamiento y el ritmo sostenido con el que se cuenta, que logra atrapar al espectador desde el primer momento, mostrando hasta tres historias simultáneas que terminan de juntarse: Los miembros de la CIA haciendo alucinante brainstorming, con su subsecuente papeleo burocrático, la falsa producción hollywoodense y su desconexión aparente hacia el problema; y finalmente los refugiados que, pese a estar escondidos, experimentan la angustia de lo incierto -y peligroso- de su situación. La resolución del conflicto da, por momentos, un cierto extraño sabor de boca para los que no somos gringos: todo aquello que es diferente a ellos, es un hermano menor al qué aplacar, con un par de juguetes. En todo caso, deja contento a Tony Mendez quien dijo en una entrevista: “Soy el primer espía adorable”. Yo pensaba en el 007…

En todo caso, recomendable para pasar un buen momento. Bien narrada, bien editada. Con algunos imperceptibles errores sobre algunos accesorios de época. Impecables actuaciones de Affleck, Goodman, Arkin y un sobrio (aunque se desgañita a gritos) Cranston.

Recomendado:

Dias de Cine

Entrevista a Tony Mendez

Who’s this nigga up on dat nag – Películas Nominadas al Oscar 2013

Lo dice : @fatimatv

django-unchained-poster__span

Si no has visto la película no leas este review pues está lleno de spoilers

Django Unchained (2012) fue uno de los estrenos más esperados por mi este año. Confesa fan de Tarantino, me preparé para ver esta película repasando toda su filmografía, incluyendo visionados en pantalla grande de Pulp Fiction y Reservoir Dogs. Además, tuve que aguantar la ardiente tentación de bajarme el torrent antes del estreno tardíó en los cines. Y bueno, como no me gusta andarme con rodeos, les adelanto mi opinión general sobre Django. Me parece una película sumamente irregular y seguramente una de las más flojas, sino la más, de Tarantino. No obstante lo anterior, es una película disfrutable. Tiene algunas escenas, diálogos y actuaciones (no muchos lamentablemente) que quedarán en el imaginario de los tarantinianos.

Dado que esta es una película con aspiración a Spaghetti Western, en homenaje al género centraré mi apreciación en tres aspectos del filme: El bueno, El Malo y El Feo :P

El Bueno:

Samuel L. Jackson definitivamente se roba el show en su personaje de Stephen, el esclavo “engreído” de la familia Candie, casi un consigliere. No hay nadie en este mundo mejor que Samuel para manejar “the nigga thing”. Ya nos había demostrado eso con creces en Pulp Fiction. Tal vez el único que  puede hacerle la lucha en ese oficio es Denzel Washington en “Día de Entrenamiento”. Leo que a algunos su personaje les pareció insufrible, y bueno, eso no hace más que reafirmar el gran desempeño del Jackson, Stephen era un negro despreciable y así lo transmitió. Tiene a su cargo también, la que para mi es la mejor y más hilarante escena de la película:

Christoph Waltz una vez más nos deleita con una muy buena actuación de mano de Tarantino. Sin embargo, no pudo superar la excepcional performance que tuvo en Inglorious Basterds. Lo que me preocupa es que empiezo a dudar si Waltz pude hacer satisfactoriamnte personajes de otro tenor. King Schultz, personaje inspirado en un mix  de John Henry “Doc” Holliday, Loco (The Great Silence 1968) y Thomas Luther Price (Hannie Caulder 1971), tiene muchas similitudes con el Coronel Landa, ambos son cínicos encantadores, letales, políglotas y cultos.  El matiz que Tarantino le da a  Schultz en esta película es su, hasta cierto punto inexplicable, solidaridad y cariño por Django. Sin desmerecer su actuación, esperaba más de Waltz, comparando con secundarios de otras de las películas nominadas, no creo que merezca el Oscar.

DJANGO UNCHAINED

Leonardo DiCaprio, reafirma que es uno de los mejores actores de su generación. No entiendo cómo lo siguen haciendo de lado con la nominaciones al Oscar. Su Calvin Candie le da vida a esta película y la conduce hasta su desenlace (o el que debió ser). Codicioso, cruel, pero a la vez “bondadoso”, genera más simpatías que el mismo Django. Me quedé con ganas de que se explotara la relación enfermiza que aparenta tener con su hermana.

main-qimg-eb531af2a4703412aef01f8550ea9943

Mientras iban saliendo estos personajes de escena, más caía el interés por el desenlace final de la historia.

Un acierto de este filme es la fotografía, Tarantino cada vez se perfecciona más en este aspecto. Teniendo en cuenta que en un Western la fotografía es una pieza estética clave, yo creo que QT tiene un desempeño más que satisfactorio. Me quedo con el plano de Billy Crash y pandilla regresando del entierro del Calvin.

django-unchained-billy-crash

El Malo:

Como les adelanté la Django Unchained me pareció sumamente irregular y con fallas narrativas. La película realmente toma ritmo a partir de la llegada de Django y Schultz a Candyland. Es ahí que hice mía la frase de Calvin “Tarantino, you had my curiosity, but now you have my attention”.  Todo lo que pasa antes de eso se hace sumamente lento.

El personaje de Don Johnson, Big Daddy, es intrascendente en la historia, más allá de la gracia que nos hace ver al ex Miami Vice en pantalla grande, y creo que puso en riesgo el impacto que debía tener el personaje de Candie. Ambos personajes son  esclavistas sureños, dueños de plantaciones , crueles pero paternalistas. Salvo la distancia abismal en cuanto a actuaciones no mucho los diferencia. Parece ser una especia de  tributo a esos coronelotes y hacendados sureños de tantas series y dibujos animados. Incluído el Coronel Sanders.

Comparativo coroneles

Volviendo a la narrativa, la visita a la plantación de Big Daddy es únicamente pretexto para dos cosas:

i. La muertes de los Brittle brothers, que se planteó al inicio como el leitmotiv de la película para ser descartado rápidamente, acentuando en el espectador la sensación de lentitud y falta de suspenso. Mención aparte merece el acento y forma de actuar de algunas de las esclavas, que más que algodoneras del sur parecían salidas del reality de Flavor Flav. Felizmente no mencionaron sus nombres porque seguro tenían ghetto names .

ii. La escena de la pandilla del KKK, que si bien es cómica, parece puesta únicamente para incorpora el chiste de las máscaras que se le ocurrió a Tarantino (por eso él mismo participa en la escena como encapuchado). También es un homenaje a una escena emblemática de la película The Birth of a Nation (1915)

Django-Klansme

Este filme no es un riguroso homenaje al cine de genero, como sí lo fue  Death Proof. Django pretende ser un homenaje al Spaghetti Western, pero termina siendo un 7 colores comprando en restaurante fusión.  Digamos que es un Western Exploitation con gran contenido del Western Cómico del estilo de They Call me Trinity y Blazin Saddles, y una pizca de Western Clásico. El superponer una referencia sobre otra, esta vez no le funcionó a Tarantino porque primó ello antes que la narración de una historia que cautive.

De otro lado, el protagonista, Django, es el personaje más flojo de la historia. Si bien Jamie Foxx se desempeña de manera competente, no le aporta nada relevante al Django, más allá de su aparente superioridad respecto a los demás esclavos negros, no se encuentra ninguna particularidad o matiz . El papel podría haber sido interpretado casi de la misma manera casi por cualquier actor negro de su rango de edad. Obviamente esto no es solo problema del actor sino también del planteamiento del personaje en el guión. No hay una evolución coherente del personaje. De ser un esclavo iletrado, en un invierno pasó a ser un experto en tiro y hábil manipulador.

vibe-kerry-washington5

Ni qué decir de Kerry Washington en su papel de Broomhilda von Schaft. Ese papel lo hubiera podido hacer cualquier morena guapachosa, hasta un maniquí. Ningún aporte. Raro en Tarantino que suele dar relevancia  a los personajes femeninos por más pequeños que sean. Broomhilda sólo quedará en mi recuerdo por un parecido que mi buen amigo @Metalgrone le encontró, Todo hace indicar que la Washington es la hermana perdida del jugador de fútbol Roberto Guizasola jajaja:

Los idénticos

Fiel a su estilo Tarantino incorpora cameos también en esta película, incluso uno de él mismo. Me parece que esta vez abusó de ellos. Respiraré profundo para recitar de corrido los que pude detectar : Jonah Hill,  Bruce Dern, Michael Parks, Robert Carradine, Tom Savini, Franco Nero, Zoe Bell, RZA (rapero que por aqupi nadie conoce), Tom Wopat,  Amber Tamblyn….me quedé sin aire. Muchos de ellos,  no merecen ser llamados cameos porque no tiene conexión con la historia o el généro, además de no aportar nada. El más relevante es definitivamente el de Franco Nero  porque es un guiño al género y específicamente a la película del mismo nombre (Djando (1996)).

El remate de la película debió ser el tiroteo sangriento y slow motion en casa de Candie, que homenajea directamente a otro grande del western: Sam Peckinpah (The Wild Bunch 1969). QT comete un gran error al incorporar el segundo final, que incluye la ridícula forma en que Foxx lo convence a él y a Michael Parks de ir por la recompensa a casa Candie. Qué gran broche de oro hubiera sido el guiño a The Good, The Bad and The Uggly (1966)  y su “Hey Blond!! You know what you are? Just a dirty son-of-a-b-” en la muerte de Stephen (ver desde el minuto 6:38):

El Feo:

Lo feo  ha sido el debate que se dio sobre la carga racista que para algunos tiene la película y del abuso de la tan sensible palabra nigger . Entre los ofendidos se encuentra el director Spike Lee, que entre otras cosas dijo:

“Todo lo que voy a decir es que es irrespetuoso con mis ancestros. Sólo lo digo yo, no hablo en representación de nadie.”

“La esclavitud americana no fue un Spaghetti Western de Sergio leone. Fue un holocausto. Mis ancestros eran esclavos, raptados de Africa. Yo les honraré.”

No es la primera vez que se da este tipo de polémica respecto a películas que tratan el tema de la esclavitud desde un punto de vista, digamos que mas complaciente, o desde la perspectiva de esclavos que vivían en armonía con sus patrones. Ocurrió con Canción del Sur (1946), que Disney tuvo que borrar por completo de sus registros para acabar con las protestas desatadas por grupos de defensa de los derechos de los afroamericanos. Más información en este post.

Tal vez la teoría de la negritud que se da en la escena del  cráneo, sobre la existencia de negros que por su valentía e inteligencia sobresaliente destacan por sobre el común de los negros sumisos (la cual  resulta validada por lo que vemos en la película) puede escandalizar a algunos con cierta justificación.

Sin embargo, no hay que perder de vista que estamos ante una película de ficción que, a mi modo de ver, no pretende mostrarnos la real problemática de los esclavos negros del sur de los Estados Unidos pre Guerra Civil. En mucha mayor medida muestra una caricatura de la comunidad afroamericana en la actualidad y su empoderamiento luego de la elección de Obama. Ya sí, me puse densa.

Finalmente y como resumen, si bien esta película es disfrutable y hasta divertida, todo hace indicar  que esta vez sí que le pesó a Tarantino el problema que siempre tiene al tener que meterle tijera a sus horas de horas de rodaje.  Al parecer los tiempos le jugaron en contra y no tuvo el tiempo ni la cabeza fría para escoger bien qué escenas iban y cuales no para que la película tenga coherencia, fluidez y riqueza.

Ustedes qué opinan?

P.D.1 Pueden leer el guión de Django Unchained aquí 

P.D.2 De la gran cantidad de referencia cinematográficas que tiene este película, destaco y recomiendo “Hannie Caulder” protagonizada por Raquel Welch. Trata sobre tres bandoleros que son hermanos y violan a una bella mujer después de matar a su marido. Movida por el odio y la sed de venganza, se hará una experta en el uso del revólver para acabar con ellos, aunque también contará con la ayuda de un cazador de recompensas. Les suena a algo?

P.D.3 Un agradecimiento especial a  @El_Riquillo por sus aportes a mi review

P.D.4 Pueden oir la banda sonora Django Unchained aquí

Papacitos eternos 05: El hermoso triste

Luego de centurias (vamos, no es tanto) vuelven nuestras habituales notas de “Papacitos eternos”, actores que dejaron huella en la historia del cine. No dejen de sugerirnos a sus favoritos.

Monty

Montgomery Clift (via Perez Hilton)

 Lo dice @Dreampicker

¿Qué debo hacer para probarles que sé actuar?

Monty era tan caballero que decidió que su hermana saliera primero del vientre de su madre. Era tan meticuloso con su trabajo que el mismo James Dean dijo que su sueño dorado era actuar con él. Llevaba una vida tan desastrosa que Marylin Monroe dijo sólo él vivía peor que ella. Era tan hermoso, tan desordenado por dentro y por fuera, tan triste.

Edward Montgomery Clift nació en Omaha, Nebraska, allá por los locos años 20. A pesar de las finanzas erráticas de su padre, los niños Clift recibieron una educación esmerada en Estados Unidos y Europa, en algunos momentos dada por su propia madre o por costosos profesores. Como a los 13 años es ella quien descubre el talento de su hijo por la actuación y le estimula a continuarlo. Es así que él llega, con 15 años, a Broadway con una obra teatral en la que no queda en el anonimato, llamada Fly away from home.

Pasarían diez años antes de que el cine se le cruzara en el camino. El flacucho joven iniciaría su carrera no menos que al costado de John Wayne y Howard Hawks en una de vaqueros, Red River. Su carisma es innegable. La cámara se enamora de él al instante. Sin embargo, es su segundo film el que lo pone entre las estrellas, The Search, un film de postguerra que le hace merecedor de una nominación de la Academia. Nada mal.

Tal vez Monty sentía frío en la cima. Por éso le daba la gana de vivir su vida como un completo desordenado. Elizabeth Taylor, su amigaza del alma (que incluso lo salva de morir en una ocasión) decía que él hubiera sido uno de los más importantes actores de su generación, si hubiera aceptado algunos papeles en películas trascendentales del cine. En verdad, él era sumamente exigente con los roles que le proponían, siendo uno de los primeros actores en seguir fielmente “El Método” para construir sus personajes, o llegando incluso a modificar él mismo los guiones de las películas en las que participaba, sin interés en aparecer en los créditos finales, sólo por el hecho de hacer un buen trabajo. En tal sentido, no era raro que rechazara algunos papeles, muchas veces escritos directamente para él, como cuando rechazó Sunset Boulevard por que vivía un momento similar al del personaje, en su vida privada (dicen las malas lenguas que su novio rico de entonces había amenazado con suicidarse).

Un accidente de auto a mediados de los años cincuenta cambió su rostro y su vida. Según un crítico de cine, “empezó el suicidio más largo de la historia”. Los medicamentos recetados para el dolor le generaron una adicción de la que jamás se pudo recuperar. Ya era lo suficiente desordenado como para empeorarla. Los directores de cine se desesperaban al ver que el errático Monty era incapaz de recordar sus parlamentos y terminaban diciéndole cosas como “Oie, a ver, olvídate del guión. Imagínate que estás en tal o cual situación, ¿qué harías tú?” Demasiada caída para un actor que era capaz de vivir en la cárcel un tiempo, sólo para “sentir” la misma experiencia que su personaje. Se iba apagando la luz de a pocos, para finalmente extinguirse una madrugada de 1966, a solas, en casa, a causa de un ataque cardiaco. Habían emitido por la tele una de sus últimas películas “The Misfits” y no había querido verla. “¡Por supuesto que no!” dijo, mientras se despedía de su asistente personal. Hay viajes que uno hace solo.

Yo confieso

No está en el parnaso de las películas de Hitchcook y sin embargo, es una de las mejores caracterizaciones de Montgomery Clift. El guión de I Confess tomó 8 años en escribirse, tras pasar por… 12 escritores! Y no es para menos, el tema que trata resultó ser tan polémico para su época, que fue prohibido en Irlanda. Un sacerdote escucha la confesión de un asesino y es incapable de denunciarle, pues el secreto de confesión es parte importante de su ministerio. Para empeorarla, tiene sentimientos encontrados por una ex novia que está casada, que es infeliz; y ambos son sujetos de extorsión por ello. Tremendo dramón. Para recrear al personaje, Clift vivió con sacerdotes y en la cárcel. Sin embargo, Hitchcook vivía fastidiado con él y sus desbandes; alguna vez había llegado a filmar completamente borracho y revivido milagrosamente para la acción.

I confess – Trailer

Puedes verla gratuitamente, aquí.

MG

“Good dialogue simply isn’t enough to explain all the infinite gradations of a character. It’s behavior — it’s what’s going on behind the lines…” M.C.