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Andy Warhol: Pop art 101

Lo dice: claudics

Andy Warhol

Andy Warhol

Silla ecléctica está de aniversario, en realidad, ya hace varias semanas pero es motivo para realizar una serie de posts con un tema común que nos interesa: el pop art y que hemos tocado previamente en esta silla. La mejor manera que encontramos fue hacerlo con el artista más polémico e influyente de ese estilo y uno de los más (obviamente) famosos del siglo XX, Andy Warhol.

Warhol es conocido sobre todo por la serie de pinturas y serigrafías de celebridades como Elvis, Marilyn, Mao, Alí y Liz; de los cuáles ni siquiera necesito decir el apellido para saber de quien se está hablando y de productos de consumo masivo como Coca Cola y sopas Campbell. No por gusto Andy se inició como artista comercial (Aquí su primer trabajo para la revista Glamour) y de hecho tuvo mucho éxito en ese campo. Sus ilustraciones fueron publicadas en varias revistas y usadas en avisos publicitarios. Siempre hubo una conexión entre su glamoroso arte y los objetos de consumo masivo.

Marilyn Monroe

Marilyn Monroe

Las mayores influencias en su arte fueron la publicidad, los cómics y las tendencias artísticas en boga. Siempre fue un artista mediático y fue duramente criticado por otros artistas por “venderse al sistema” ya que nunca tuvo problemas para promocionarse ni para vender sus obras a los mejores postores. La gran influencia en su vida fue su madre, quien incluso colaboró con él en algunos trabajos gracias a su exquisita caligrafía y a su buen gusto.

Otras facetas de Andy fueron el video y las películas, de hecho fue el primero en usar esta técnica como expresión de arte y filmó cientos de horas de sus actividades y las de sus amistades y protegidos que visitaban su enorme taller llamado The Factory, ese era el sitio donde tenías que estar si tenías alguna vinculación  con las artes

Mohamed Alí

Mohamed Alí

plásticas o la música para ser alguien. Era tal su influencia que con su sola aprobación impulsó las carreras de Velvet Underground, Nico, Basquiat, Jack Armstrong, Steve Kaufman, Ultra Violet entre otros. Después se vería quienes fueron reales talentos y quienes solo personajes aprovechando sus 15 minutos de fama, una de las frases más conocidas de Warhol y que todo el mundo utiliza hoy en día.

Campbells

Latas de sopa Campbells

Y por supuesto no es lo único que todo el mundo imita hoy en día de lo hecho por Warhol. Debido a la moda retro, que ha puesto de moda las tendencias de los años 70 y 80, Andy Warhol sigue en boga y tal vez más que antes. Hoy sus obras se valoran en precios impensables en los 80 y hace poco alcanzaron su pico más alto. Es hoy un personaje de culto que incluso ha inspirado una fragancia. Si van a ver galerías de arte en cualquier lugar del mundo siempre hay alguna exposición en homenaje o van a encontrar artistas que tratan de reinventar el pop art. No hay duda: está de moda aunque ya no está en este mundo hace 23 años. Y cuando digo de moda puedo decirlo literalmente ya que ha inspirado toda una colección de ropa de la famosa diseñadora pop Betsey Johson. La influencia de Warhol está en todas partes, simplemente miren a su alrededor y encuéntrenla en afiches, obras de arte, moda y diseño.

Andy Warhol come una hamburguesa

Vitrina de Barney´s en homenaje a Warhol

Andy Warhol en Japón

Más sobre Andy:

Exposición en Lima del 2007

Biografía en castellano

Warhol at Phillips de Pury tops New York contemporary art sales

La fundación Andy Warhol

Caravaggio, el primer tenebrista

Lo dice: claudics

Obras de Caravaggio

Algunas de las obras célebres de caravaggio: Muerte de la Virgen, San Francisco y La crucifixión de San Pedro

Michelangelo Merisi (llamado Caravaggio por su ciudad natal), el pintor que dio origen a la tendencia tenebrista era un artista revolucionario y apasionado pero con una vida  muy agitada. Hombre de reacciones violentas, siempre estuvo envuelto en altercados, peleas y hasta terminó comprometido en asesinatos lo cual le obligó a huir varias veces. Posiblemente fue producto de la sociedad de su época. Eran los tiempos agitados de la Contrareforma y eran cosa común las torturas y ejecuciones públicas, las guerras muy sangrientas, enfermedades como la peste asolaban y diezmaban poblaciones enteras, la vida podía muy difícil. Aunque Caravaggio pasó por muy buenas épocas gozando de fama y prestigio contando entre sus protectores y mecenas a personajes infuyentes como el cardenal Francesco del Monte, la familia Colonna y nada menos que a un santo, Carlos Borromeo, quienes siempre lo protegieron en sus constantes reyertas callejeras e incluso le proveyeron escondite cuando se vió envuelto en crímenes.

En cuanto al periodo artístico, había terminado el Renacimiento que había llegado a la cumbre de la perfección estética con las obras de los grandes maestros Miguel Angel, Leonardo y Rafael. Como estos artistas no podían ser superados, los artistas que los siguieron crearon el manierismo. Caravaggio no cultivó ese estilo reinante en el período en que empezó como aprendiz, el prefirió desarrollar su propio estilo, dejarse llevar por sus sentimientos, su pasión y por lo que veía del mundo a su alrededor: El tenebrismo. Este es un estilo pictórico perteneciente al arte Barroco que utiliza la técnica del claroscuro como elemento principal de expresión. El claroscuro acentúa un fuerte contraste entre luz y sombra, casi sin medios tonos, y en el cual los objetos iluminados destacan con mucha fuerza porque la luz los moldea y da carácter a los personajes envueltos en la misma.

Ecce Homo
Ecce Homo

Sus temas son reales, impactantes, con movimientos bruscos y captados en el momento de mayor tensión. Las expresiones de los rostros dejan de ser beatíficas como en el Renacimiento para ser humanas y con detalles del día a día. El tenebrismo constituye una contribución pictórica de trascendencia en el arte universal e influye de gran manera como estilo artístico en  toda Europa manifestándose el llamado Caravaggismo principalmente en Italia, Francia, España y los Países Bajos y en grandes maestros como Guido Reni, Rembrandt, Georges La Tour, Zurbarán, Murillo y Velázquez.

En un principio Caravaggio fue criticado y sus obras rechazadas especialmente por la iglesia que consideraba indigno que los santos no fueran hermosos, que tuvieran los pies sucios, que los modelos fueran gente común y corriente retratados con sus defectos físicos  o que para los funerales de la Virgen María usara de modelo a una mujer ahogada en el Tíber con el rostro arrugado y el estómago hinchado. Pero después este estilo fue utilizado, con las correcciones necesarias, por la misma iglesia para difundir la fe y como elemento ejemplificador en los fieles, sobre todo en el tenebrismo español que llegó hasta las colonias como el Perú. Uno sentiría temor en esa época lejana al entrar a una iglesia de enormes bóvedas y surgiera con gran fuerza y dramatismo desde la oscuridad, la imagen de un Cristo crucificado en toda su crudeza.

El Beso de Judas
El Beso de Judas o La Captura de Cristo

Posteriormente el tenebrismo cayó en el olvido hasta el siglo XX en que fue  rescatado en la pintura y en otras manifestaciones artísticas como el cine y la fotografía que necesitaban el uso fuerte de la luz, dramatismo y realismo como en el caso del Expresionismo alemán y el Film Noir. Y ahora, es un estilo muy usado en nuestros días por los artistas, sobre todo principiantes, que quieren en sus obras el dramatismo y la fuerza que da el uso de la luz.

Al cumplirse 400 años del fallecimiento del artista este 2010, hay gran expectativa por las exhibiciones conmemorativas en toda Europa y algunos hechos relevantes han suscitado gran interés en el redescubrimiento de la obra del maestro. En los últimos días una muestra de las obras de Caravaggio en Roma suscitó largas colas en el Museo Scuderie del Quirinale que celebró su décimo aniversario con esta exposición y a pesar del fuerte calor del verano europeo, hubo mucho interés en ver su legado. Esta muestra presentaba 24 de sus obras más conocidas y confirmadas como pintadas exclusivamente por él. Links sobre la exposición aquí, acá y acá. Y hasta el mes de octubre de este año estará otra exposición en Florencia presentando alrededor de 100 obras de Caravaggio y de sus seguidores, los llamados caravaggeschi, que fueron recolectadas por los Medici.

Este interés por Caravaggio seguramente ha sido incrementado con la noticia de que se han encontrado los restos mortales del artista y que se han esclarecido  finalmente las causas de su muerte. Hay una seguridad del 85% de que ese sea verdaderamente el cuerpo del artista, dicen los científicos italianos que hicieron el descubrimiento en una fosa común y que han concluído que su temprana muerte fue a causa de intoxicación por plomo combinado con otras enfermedades e infecciones. El plomo causa alucinaciones y desvaríos lo cual justificaría que terminara sus días como enajenado mental en las calles de Toscana.

Hay, además, una nueva biografía que me muero por conseguir y del que el Telegraph hace una revisión interesante, acá y acá. Y para crear más expectativa entre artistas y aficionados al arte hay una investigación el caso de los dos cuadros de San Francisco atribuidos al pintor y que se reseña en este blog (en italiano). También en Italia se ha convocado a un concurso internacional de pintura y fotografía llamado Sombra y  misterio en homenaje al maestro del claroscuro.

Otros hechos que han sido noticia recientemente respecto a Caravaggio:

Caravaggio robado fue recuperado

Los restos atribuidos a Caravaggio se exhiben en la ciudad toscana donde murió

Desenterrando dudas sobre los restos de Caravaggio

Caravaggio siempre ha estado presente tanto en el cine como en la televisión, hay referencias de una película basada en su vida de 1941 y hay otra de 1984 pero aparte de la información que provee IMDb, no he podido encontrar nada más, así que si alguien tiene links al respecto sería genial si los compartiera. Acá algunas imágenes de documentales y películas basadas en su turbulenta vida:

Documental de la BBC Power of art sobre el artista (Primera parte)

Caravaggio, película sobre la vida del artista dirigida por Derek Jarman con Nigel Terry, Sean Bean y Tilda Swinton (parte 1 de 12)

Trailer de la película I. M. Caravaggio ambientada en las Vegas en tiempos actuales

El Appetite for Destruction de Robt Williams

Lo dice: Isabella X

Escuché una anécdota divertida sobre la primera portada del disco Appetite for Destruction de Guns n’ Roses, la cual fue vetada por las disqueras. Por qué?, porque aparecía un robot violador en un callejón, con su víctima aún tirada en el suelo y un monstruo surgiendo a contemplar la escena. Luego de esto a los Guns no les queda otra que cambiarla, la colocan dentro del disco y la nueva portada pasa a ser la que todos conocemos.

Pues bien, resulta que cuando Axl caminaba por las calles de L.A., entró a una tienda y vio una postal de Robert Williams con la famosa escena, el nombre de la postal era precisamente Appetite for Destruction y se le ocurrió la revolucionaria idea de colocarla en su nuevo disco. Todo el grupo estuvo de acuerdo, menos Williams, a quien a nadie se le había ocurrido preguntar, pero luego Axl y compañía le hicieron una visita con una propuesta que no pudo rechazar y el artista aceptó.

Claro que al final, igual el disco no se libró del veto, y esta vez fue porque el aburrido Comité de Defensa de la Moral Pública de Gringoland y Ned Flanders considerararon que las canciones incitaban a la violencia, sin embargo no lograron su propósito y Guns n’ Roses consiguió varios discos de platino y premios a nivel mundial, mientras todos los jóvenes de todas partes cantaban “Sweet child o’ mine“.

Robt Williams

A todo esto, entonces quién es Robert Williams?. Robert, mas conocido como Robt para no ser confundido con otros Robert Williams famosos, es nada más y nada menos que un fabuloso pintor y leyenda en el mundo del comic, dueño de una imaginación ilimitada y que sigue en constante producción:

“My paintings are not designed to entertain you, they are meant to trap you, to hold you before them while you try to rationalize what elements of the picture are making you stand there.”

Su trabajo es vasto, así que para que seguir escribiendo, si ustedes pueden entrar a su web y disfrutar su su obra:

http://www.robtwilliamsstudio.com/

Aquí, una muestra de lo que es capaz, welcome to the jungle!.

Artista de la ilusión: Arcimboldo

Lo dice: @claudics

Cuisinier. Al derecho y al revés, funciona.

El Bibliotecario (circa1566) "retrato compuesto" hábilmente ensamblado con una pila de libros, se ha interpretado como una parodia de la bibliotecología y de la intelectualidad en general y una alusión al bibliotecario Wolfgang Lazius. Considerado además como una muestra de cubismo 350 años antes.

En estos últimos días me encontré en documentales, libros y páginas web referencias al artista manierista del alto Renacimiento Giuseppi Arcimboldo (1527-1593), también conocido como Arcimboldus o Arcimboldi, y no podía ser de otra forma porque su influencia en el arte se extiende hasta nuestros días. Este pintor, nacido en Milán, fue muy famoso y celebrado en su época debido a su creatividad y originalidad comparable solo a la de El Bosco.

Como un buen hombre del Renacimiento era capaz de destacarse en varias facetas; de esa manera fue un exquisito organizador de eventos reales, que en esos tiempos abarcaba no solo la coordinación y la selección de la comida y bebida más sofisticada y extravagante sino elaborar entretenimientos para los cortesanos en una época donde la tecnología era aún muy incipiente pero se las ingenió para crear efectos diferentes que maravillaran a los espectadores. Actualmente es considerado por muchos como el padre (o si quieren, el abuelo) de la multimedia al inventar el órgano de luces (harpsichord of lights), una especie de piano que combinaba los sonidos de las teclas con luces y sombras en movimiento para entretenimiento de la familia real. En 1590, este hecho fue reseñado por Gregorio Comanini (autor de uno de los primeros tratados sobre el arte que se ha escrito en Italia).

Autorretrato del artista.

Sin embargo, poco tiempo después de su fallecimiento cayó en el olvido y no fue hasta el siglo XX en que volvió a ser apreciado en toda su magnitud y comienza a cobrar nuevamente gran importancia al ser descubierto por artistas innovares en cuyas obras influenció ya que durante siglos fue considerado como una curiosidad artística, un inventor de juegos visuales y artificios pero Arcimboldo fue y es aún, mucho más que eso.

Sala Mae West del Teatro-Museo Dali de Figueres

Arcimboldo ha sido una gran influencia en los pintores surrealistas como Salvador Dalí, en artistas gráficos creadores de ilusiones ópticas como M.C. Escher y escultores como Markus Raetz sin mencionar que todo aquello que muestre una figura humanoide formada por objetos inanimados tiene una referencia a él. Como el personaje imagen de Michelin.

Homenaje animado al maestro: Boldo, el genio de la sopa en la película Desperaux.

Un claro ejemplo de su actualidad es la muestra francesa de 2009 Une image peut en cacher une autre (One image may hide another) donde se presentó la influencia de Arcimboldo en Salvador Dal y en Markus Raetz y sus obras. Algunos artistas en quienes claramente influyó: Hanoch Piven, Bernard Pras, considerado un Arcimboldo moderno.

Galerías de obras: aquí y aquí

Exposición en Viena de la obra de Arcimboldo

Un video musical “arcimboldesco“: Sledgehammer de Peter Gabriel

Retratos “arcimboldescos” animados con After Effects

Selección de obras del artista

Las sillas geniales

sillas

Un lugar para conversar, alternar, conocer.

Vincent Van Gogh es el pintor favorito de un gran porcentaje de artistas plásticos quienes lo tienen en la más alta estima, debido a su aporte a la pintura moderna, por su brillante tratamiento del color y texturas y los temas que desarrolló. Además del notorio ejemplo de vocación que significa que a pesar de la vida atormentada y de sufrimiento que tuvo, siempre lindante con la pobreza y la locura, desarrolló una de las más grandes obras de la pintura universal.

Debido a que carecía de formación formal y que no pintaba al estilo clásico del Salón de Paris, sus maestros le dijeron que no podría ser artista porque no sabía ni pintar ni dibujar (Si esos maestros vivieran ahora…) Probablemente el hecho de ser autodidacta fue lo que le dio la oportunidad de crear su propio estilo y técnica, sin preconcepciones teóricas ni estéticas. Hecho que él mismo manifestó en la larga correspondencia epistolar que mantuvo con su hermano y mecenas Theo, la relación personal más profunda en su vida. (Si lo prefieren hay una película sobre el tema con Tim Roth como Van Gogh y dirigida por Robert Altman)

Entre sus muchos cuadros celebérrimos figuran dos que han sido muy estudiados y comparados desde diferentes disciplinas, incluido el humilde ensayo de mis épocas de estudiante universitaria que fue calificado con nota 20, gracias por supuesto a la genialidad de Van Gogh. Se trata de las sillas, la silla de Van Gogh, hoy en la National Gallery de Londres y  la silla de Paul Gauguin, exhibida en el Museo Van Gogh de Amsterdam.

Después de una larga espera y preparación, en octubre de 1888 se concreta la llegada de Gauguin a Arles donde según su utópico proyecto, iniciarían una colonia de artistas en la casa amarilla. Con ese objeto pintó varios cuadros de girasoles para decorar el lugar y compró muebles, entre ellos sillas para ambos, sin embargo la convivencia de pocos meses no fue todo lo maravillosa que había esperado y en un rapto de inspiración, a manera de catarsis y de expiar los demonios de esa amistad tormentosa, pintó ambos cuadros donde transmite de manera muy intensa sus enormes diferencias de carácter, personalidad y manera de afrontar la vida.

Van Gogh pensaba que un objeto, propiedad de alguien, reflejaba la personalidad y detalles del dueño y que a través de plasmar en tela el objeto se hacía un retrato de esa persona. La silla de Gauguin es cómoda, mullida, con brazos. Sus colores son intensos y sombríos, rojos y verdes brillantes, iluminados por la luz artificial de una vela y un lamparín. Sobre ella hay un par de libros  y está colocada sobre una alfombra con diseños florales. Es una silla nocturna. De hecho demuestra la personalidad fuerte, egoista y egocéntrica de Gauguin así como su sensualidad y exotismo. La silla de Van Gogh es simple, tosca y diurna por sus colores claros y terrosos y su luz natural. Una maltratada silla de cocina hecha de madera burda y paja amarilla sobre la cuál se observa un papel arrugado, una pipa y tabaco, que Van Gogh fumaba porque Charles Dickens lo recomienda como cura para la melancolía. En esta pintura se refleja su naturaleza solitaria y triste, su personalidad agresiva y culposa y su dura vida, la cual el mismo terminaría unos meses después, el 29 de julio de 1890 para ser más exactos.

Al igual que Vincent y Paul, cada persona tiene la silla que la vida le ha deparado o la que ha escogido para si. Somos como la silla que nos gusta y usamos la que más nos acomoda. Esta puede ser minimalista, barroca, moderna, clásica, funcional, complicada, fea, estilizada, incómoda, dura. No importa, es tu silla; así que úsala y disfrútala… aunque tal vez la silla de tu vecino te parezca mejor. Pero no hay nada peor que no te ofrezcan una silla para sentarte cuando llegas a un lugar, es una simple cortesía porque una silla te invita a descansar, a estar cómodo, aunque sea en los pasadizos del poder judicial.

Alrededor de humildes bancos de madera se puede armar la tertulia más animada e intelectual, en sofás de diseñador se puede compartir la más grande amistad y en pomposas poltronas estilo Luis XV podemos contar los más terribles secretos. La idea es compartir y estar cómodos.

Si te gusta, pasa y siéntate, estás invitado.

Algo más porque Van Gogh es para verlo.