Archivo de la categoría: Personajes

Andrés Soto, su mirada y su voz

Lo dice: Isabella X.

Primero, vamos a escucharlo, porque así nomás no se juntan tantos genios:

Voz, guitarra, genio y fugura de Andrés Soto, cajón de Pititi, cencerro de Caitro Soto, segunda guitarra de Álvaro Lagos y por supuesto Chabuca gestándolo todo.

“En el año de 1973 no se como ni porque, salió El tamalito, canción que me ha dado de vivir hace años… Yo estaba casado, después me divorcie yo hablé, y dije y le hice el Tamalito….  Sus padres no me llevaban… y yo le cantaba: “Si Usted mirara a traves de la ventana, yo veria un maicito cantandole en la mañana”. Y asi salio y el viejo me detestaba, era una blanquita muy bonita y el me detestaba y me detestaba, pero yo y la cancion, perseveramos las dos”.
Del libro de Andrés Soto: “Testimonio de Obras, canciones, epistolas y otros adefesios”.

Estas son la portada y contraportada de un gran disco, que no fue reeditado y cuyas copias son guardadas cuidadosamente por quienes tienen la suerte de poseerlas. Andrés Soto (Abril, 1949), limeño guadalupano, Sociólogo de la Universidad Católica y además uno de los mejores trovadores peruanos, olvidado por mucha gente, menos por quienes recuerdan su aporte diferente a nuestra música.

En la contratapa leemos una carta de Chabuca que lo dice todo:

“Andrés queridísimo:

Es con profundo respeto a tu maravilloso arte de hacer y cantar tus canciones, que te manifiesto mi deseo de un camino largo desde tu vida joven, hasta que ellas te confundan con su inmortalidad natural.

La canción popular debe pretender ser, al menos, una pequeña obra de arte en virtud de que llega a un auditorio muy vasto. Cada una de tus canciones ha logrado este propósito: consigues lo casi inaccesible.

Te recuerdo importante desde tu inicio. Restallaste ms pensamientos desde tus primeras frases, hace ya años. Eras casi un niño y por aquel entonces cuidadosamente te empeñabas en ese dificil arte de la canción sencilla.

Tu profesión de sociólogo, tu inobjetable y elegante severidad, tu dominio del idioma y armonía, enriquecerá cada vez más nuestra canción popular.

No olvido tu autoridad moral cuando tu terrible pregunta dentro de una dolorosa y delicada melodía, la que apun no ha llegado a imprimirse para el público ni siquiera en este disco, me indicó la importancia de tu obra:

“Quién clavó una estaca / quién selló mi suerte / quién entre / nodrizas se / acostó con / su mucama.. / madre mía.. / y mis hermanas”

Tu certero juicio, descarnado, confirma lo tan antiguamente silenciado, y es que la Historia aún no ha calificado la hasta ahora incomprensible inuria de la escalvitud inflingida a la raza negra.

Extraña presentación ésta para un disco tan promisorio como éste, tu primero, para el que te entrego tan solo una palabra muda porque comprendo que me hallo ante el albor de un inmortal y universal peruano, honda y emocionadamente  me conmuevo…

Chabuca Granda, Miraflores, 1981″

Y si Chabuca dice eso, qué puedo decir yo. Solo recomendar que lo  recuerden y escuchen y como ya hemos dicho que es dificil de conseguir, comparto con ustedes el link al blog: Extramuros, donde Luis Alvarado hace una interesante reseña del disco, nos regala un link para la descarga y podrán leer los comentarios de algunos de sus admiradores.

Hace poco me dijeron que había una copia del disco en casa de mi suegra, ya que Andrés fue novio o esposo de la hermana de la esposa de un tío de mi esposo, o algo así, y se lo regaló y él lo dejó ahí guardado. Cuando fuí a recogerlo alguien se lo había llevado y no se acuerdan quién. Pero que podemos hacer, así se comportan las reliquias mágicas y misteriosas.

A todo esto, me pregunto dónde estará Andrés y si alguien pisa los talones de su libertad…

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La silla de Warhol

Lo dice @claudics

Silla eléctrica

Silla eléctrica

Como este blog se llama Silla Ecléctica siempre termino buscando referencias a sillas de todo tipo, en pintura, en poesía y en diseño y encuentro cosas interesantes porque una silla dice mucho de la persona que la posee y puede producir una serie de metáforas por la forma como se utilice  o donde se encuentre.

¿A qué viene este comentario y qué tiene que ver con el tema de esta serie de posts de aniversario sobre Warhol y el Pop art? Pues que en la prolífica obra de nuestro Andy destaca un trabajo que es diferente. No es glamoroso, no es alegre, no es sexy, no representa a alguna celebridad ni es un exitoso producto de consumo masivo publicitado incansablemente. Al contrario, es un objeto dramático producto de los graves problemas de nuestra sociedad y es un tema muy serio que nos compete a todos porque con él medimos cuan humana y civilizada es nuestra cultura. Puede ser que te parezca necesaria o que te parezca espantosa: La silla eléctrica.

Warhol comenzó a usar esta potente imagen en 1963, el año en que se dió fin a la pena capital en el estado de New York, como parte de la serie Death and Disaster y la siguió utilizando durante los años siguientes debido a la gran controversia moral y política originada en diversos sectores de la sociedad norteamericana.

En esta serie de serigrafías no es que Warhol abandone lo pop, en realidad, este es un tema que estaba en el candelero en esos años y de lo cual la gente discutía acaloradamente, era el asunto de moda. Sin embargo no es algo que él tome a la ligera. Se nota la profundidad y lo poderoso del tema y de hecho hay estudios y monografías estudiando el detalle, la composición y el significado de la silla eléctrica.

Uno de los ensayos dice en su resumen : Este ensayo explora la relación del diálogo entre el arte y la ley, y argumenta que la revisión de La Silla Eléctrica de Andy Warhol, y nuestra respuesta colectiva a las pinturas, amplía el discurso jurídico sobre la pena capital en este país. El ensayo sostiene que las pinturas, y su estatus de icono en nuestra cultura, llaman la atención sobre nuestra fascinación con la muerte en general, el Estado administra la muerte, en particular, para el espectáculo de la pena capital, y para nuestra historia de la obtención de placer por contemplación  la muerte. También sostiene que Warhol plantea una cuestión importante, que implica la raza y el sexo y la religión y la discapacidad y la edad y el confort: ¿Con quién estaríamos cómodos visualizándolo en la silla?
On Andy Warhol’s Electric Chair I. Bennett Capers. Hofstra University – School of Law

Al parecer en los años 60 muy poca gente había visto como era una cámara de ejecución. La silla desocupada, el cartel de “silencio” en una esquina, la casi oscuridad reinante, el ambiente tenebroso, es una imagen fuerte y poderosa.

Como ya dije anteriormente, Warhol es siempre actual. En el 2003, 10 de estas serigrafías a gran escala y muchas otras en pequeño formato, fueron utilizadas en una exposición en Illinois en contra de la pena de muerte para el Proyecto Andy Warhol´s Electric Chair: Reflecting on Capital Punishment in America y actualmente una de las sillas está en exhibición Desmoines Art Center.

En esta página, una entrevista al poeta y asistente de Andy, Gerard Malanga, sobre el proceso de creación de la serie Death and Disaster

Y para hacer la cosa menos dramática, acá otro tipo de silla. Una silla homenaje para Andy Warhol y sus pelucas.

Silla homenaje y autorretarto de Andy Warhol con peluca.

Silla homenaje y autorretarto de Andy Warhol con peluca.

Warhol, Velvet, Nico y la banda sonora de New York

Lo dice: Isabella X.

 

Desde su fundación en 1963, y durante su existencia conocida como “La Edad de Plata” (gracias a su decorado que cubría todo de aluminio), cada día ocurría algo nuevo en La Factoría de Warhol y por supuesto a Andy le encantaba escuchar que New York no era nada antes de él.

La Factoría no era solo un lugar para desarrollar su trabajo artístico, sino también para hacer películas, fiestas y performances alucinatorias. En esta categoría entra el famoso “Exploding Plastic Inevitable”, todo un espectáculo audiovisual que incluía cine, danza y música en vivo con Velvet Underground y Nico.

Pero entonces, quiénes fueron Velvet Underground y quién fue Nico?, a parte de ser en algún momento Warhols Superstars.

En aquella época Warhol se encontraba en la búsqueda de nuevos proyectos y en ese momento se encuentra con Lou Reed, John Cale (cerebros de la banda) y compañía, quienes tocaban y hablaban justamente de lo que Warhol buscaba. Luego de apadrinarlos, los convence de incluír a Nico, cantante, actriz, modelo y musa warholiana, en la banda y es así que graban su primer álbum: THE VELVET UNDERGROUND AND NICO (1967), joya incluida en cuanta lista de álbumes imprescindibles en la historia del rock norteamericano existe. Sin embargo, este disco no fue ni un éxito de ventas ni nada parecido, por el contrario fue totalmente controvertido por su temática oscura y por aquellas letras que tenían como inspiración literatura sadomasoquista, entre otras cosas. Las radios no querían pasar las canciones, las disqueras no querían distribuirlo, e incluso las primeras copias fueron muy comentadas porque tenían un sticker que decía “peel slowly and see”, y al hacerlo podías ver un plátano color carne bajo el diseño original. Los comentarios sobran.

Terminado este periodo Velvet Underground se desliga tanto de Warhol como de Nico, y cada cual continua su camino, grabando cada uno discos que hasta hoy son considerados de culto por su innovación y que han servido de influencia a agrupaciones posteriores de diversos estilos. En el caso de Velvet Underground, no hay quien no pueda decir que su presencia fue decisiva en la historia del rock y fue una de las bandas más importantes de los sesenta.

Y para finalizar, si no has escuchado el álbum, nuestras recomendaciones son: “Venus in furs” ,”I’ll Be Your Mirror”,  “Heroin” y “I’m waiting for the man”. Cierra los ojos y piensa en terciopelo.

 

 

Andy Warhol: Pop art 101

Lo dice: claudics

Andy Warhol

Andy Warhol

Silla ecléctica está de aniversario, en realidad, ya hace varias semanas pero es motivo para realizar una serie de posts con un tema común que nos interesa: el pop art y que hemos tocado previamente en esta silla. La mejor manera que encontramos fue hacerlo con el artista más polémico e influyente de ese estilo y uno de los más (obviamente) famosos del siglo XX, Andy Warhol.

Warhol es conocido sobre todo por la serie de pinturas y serigrafías de celebridades como Elvis, Marilyn, Mao, Alí y Liz; de los cuáles ni siquiera necesito decir el apellido para saber de quien se está hablando y de productos de consumo masivo como Coca Cola y sopas Campbell. No por gusto Andy se inició como artista comercial (Aquí su primer trabajo para la revista Glamour) y de hecho tuvo mucho éxito en ese campo. Sus ilustraciones fueron publicadas en varias revistas y usadas en avisos publicitarios. Siempre hubo una conexión entre su glamoroso arte y los objetos de consumo masivo.

Marilyn Monroe

Marilyn Monroe

Las mayores influencias en su arte fueron la publicidad, los cómics y las tendencias artísticas en boga. Siempre fue un artista mediático y fue duramente criticado por otros artistas por “venderse al sistema” ya que nunca tuvo problemas para promocionarse ni para vender sus obras a los mejores postores. La gran influencia en su vida fue su madre, quien incluso colaboró con él en algunos trabajos gracias a su exquisita caligrafía y a su buen gusto.

Otras facetas de Andy fueron el video y las películas, de hecho fue el primero en usar esta técnica como expresión de arte y filmó cientos de horas de sus actividades y las de sus amistades y protegidos que visitaban su enorme taller llamado The Factory, ese era el sitio donde tenías que estar si tenías alguna vinculación  con las artes

Mohamed Alí

Mohamed Alí

plásticas o la música para ser alguien. Era tal su influencia que con su sola aprobación impulsó las carreras de Velvet Underground, Nico, Basquiat, Jack Armstrong, Steve Kaufman, Ultra Violet entre otros. Después se vería quienes fueron reales talentos y quienes solo personajes aprovechando sus 15 minutos de fama, una de las frases más conocidas de Warhol y que todo el mundo utiliza hoy en día.

Campbells

Latas de sopa Campbells

Y por supuesto no es lo único que todo el mundo imita hoy en día de lo hecho por Warhol. Debido a la moda retro, que ha puesto de moda las tendencias de los años 70 y 80, Andy Warhol sigue en boga y tal vez más que antes. Hoy sus obras se valoran en precios impensables en los 80 y hace poco alcanzaron su pico más alto. Es hoy un personaje de culto que incluso ha inspirado una fragancia. Si van a ver galerías de arte en cualquier lugar del mundo siempre hay alguna exposición en homenaje o van a encontrar artistas que tratan de reinventar el pop art. No hay duda: está de moda aunque ya no está en este mundo hace 23 años. Y cuando digo de moda puedo decirlo literalmente ya que ha inspirado toda una colección de ropa de la famosa diseñadora pop Betsey Johson. La influencia de Warhol está en todas partes, simplemente miren a su alrededor y encuéntrenla en afiches, obras de arte, moda y diseño.

Andy Warhol come una hamburguesa

Vitrina de Barney´s en homenaje a Warhol

Andy Warhol en Japón

Más sobre Andy:

Exposición en Lima del 2007

Biografía en castellano

Warhol at Phillips de Pury tops New York contemporary art sales

La fundación Andy Warhol

William Blake: La eternidad está enamorada de las creaciones del tiempo

Lo dice: Isabella X.

“El otro hechizado por la hermosura tigresca es William Blake (1757-1827).  Poeta precursor del romanticismo inglés, autor de Las bodas del cielo y el infierno, escribió el poema El tigre. O acaso el tigre saltó, rugió, se escribió en la hoja y la pluma y las palabras del poeta. El tigre como erupción de energía incandescente, cósmica, acaso demoníaca o divina. Tigre que se enciende luz en los bosques de la noche.  Tigre: belleza solitaria, piel de volcanes que erupcionan vértigo y hermosura, dignidad y libertad. Tigre que ruge entre altares de versos. Como estos…” – Esteban Ierardo

William Blake: El anciano de los días

La poesía es un arte incomprendido. La gente la ama o la odia y son menos aún los que le  encuentran la utilidad de un cuento, aunque al fin y al cabo, quién puede encontrar una real utilidad en el arte, más que elevar tus sentidos a dimensiones insospechadas. Pero  eso tienes que sentirlo y no todos tienen abierta esa puerta.

Hace unos días terminando de ver un capítulo de The Mentalist, uno de los personajes mencionó el inicio del poema “El Tigre” de William Blake y se desencadenó la marea, antes dormida, de volver a los libros de poesía que descansaban en mi librero.

No me pregunten qué significa, ya que lo que pensaba el poeta al momento de escribirlo carece de sentido cuando encuentras una interpretación personal y perfecta para ti. Pero no seguiré escribiendo sobre esto, ya que como decía el autor del blog Un poema al día, escribir de poesía es multiplicar los riesgos de acabar haciendo el ridículo.

Comparto entonces con ustedes el poema, uno de los últimos de su ciclo poético, extraído de su libro “Cantos y experiencias” y lo decoro con una de sus enigmáticas ilustraciones.

 

William Blake: Beatrice

El tigre

Tigre, tigre, que te enciendes en luz

por los bosques de la noche

¿qué mano inmortal, qué ojo

pudo idear tu terrible simetría?

¿En qué profundidades distantes,

en qué cielos ardió el fuego de tus ojos?

¿Con qué alas osó elevarse?

¿Qué mano osó tomar ese fuego?

¿Y qué hombro, y qué arte

pudo tejer la nervadura de tu corazón?

Y al comenzar los latidos de tu corazón,

¿qué mano terrible? ¿Qué terribles pies?

¿Qué martillo? ¿Qué cadena?

¿En qué horno se templó tu cerebro?

¿En qué yunque?

¿Qué tremendas garras osaron

sus mortales terrores dominar?

Cuando las estrellas arrojaron sus lanzas

y bañaron los cielos con sus lágrimas

¿sonrió al ver su obra?

¿Quien hizo al cordero fue quien te hizo?

Tigre, tigre, que te enciendes en luz,

por los bosques de la noche

¿qué mano inmortal, qué ojo

osó idear tu terrible simetría?

*Traducción de Antonio Restrepo: pueden encontrar varias en la red, pero de todas esta es mi favorita.

Siete versiones de “El Dinosaurio”

Lo dice: Isabella X.

“Cuando despertó, el dinosaurio todavía estaba allí”
El Dinosaurio – Augusto Monterroso

Para quien no lo conozca, Augusto Monterroso (Honduras, 1921-2003) fue un maestro de la ficción breve y su cuento “El Dinosaurio”, considerado el cuento mas corto de la literatura universal, ha sido objeto de  estudios,  referencias, diversas continuaciones del cuento, adaptaciones etc.


Lauro Zavala, profesor de la Universidad Autónoma Metropolitana de México,  resume en 10 puntos, el por qué del éxito:

  1. La elección de un tiempo gramatical impecable (que crea una fuerte tensión  narrativa) y la naturaleza temporal de casi todo el texto (cuatro de siete  palabras).
  2. Una equilibrada estructura sintáctica (alternando tres adverbios y dos  verbos).
  3. El valor metafórico, subtextual, alegórico, de una especie real pero extinguida (los dinosaurios) y la fuerza evocativa del sueño (elidido).
  4. La ambigüedad semántica (¿quién despertó? ¿dónde es allí?).
  5. La pertenencia simultánea al género fantástico (uno de los más imaginativos),  al género de terror (uno de los más ancestrales) y al género policiaco (a la  manera de una adivinanza),
  6. La posibilidad de partir de este minitexto para la elaboración de un cuento de  extensión convencional (al inicio o al final).
  7. La presencia de una cadencia casi poética (contiene un endecasílabo); una  estructura gramatical maleable (ante cualquier aforismo).
  8. La posibilidad de ser leído indistintamente como minicuento (convencional y  cerrado) o como micro-relato (moderno o posmoderno, con más de una interpretación posible).
  9. La condensación de varios elementos cinematográficos (elipsis, sueño,  terror).
  10. La riqueza de sus resonancias alegóricas (kafkianas, apocalípticas o  políticas).

Y como muestra de las múltiples lecturas de “El dinosaurio”, y lo que realmente  me motiva a escribir este post, es la siguiente colección de cortos, como parte de un proyecto donde cuatro directores de cine: Marcos Villaseñor, Luis Lance, Alfonso Aguilar y el Deivid, que nos muestran siete versiones del cuento.

Definitivamente, un libro es muchos libros.

La Escuela Democrática: Quien eres importa más que lo que sabes

Lo dice: Isabella X.

Se dice que los padres de Jorge Luis Borges no querían enviarlo a la escuela y el pretexto fue el temor a que se contagie de escarlatina, pero todos sabían que en realidad no lo enviaban por temor a que lo mal formasen los maestros. El mismo Borges bromeaba sobre el tema diciendo que en aquel Marzo, la escuela había interrumpido su educación.

Cuando caminas entre los escolares uniformados con muy mal gusto, muchas veces con boinas, escarpines, galones, como vieja herencia militar, que se forman durante los desfiles escolares, entonces piensas cuál es realmente el criterio de quienes los pretenden educar y si bajo esas condiciones entregarás a tu hijo a una escuela donde será sometido a muchas ideas erróneas sobre disciplina, conocimiento y talento.

De tiempo en tiempo han aparecido educadores considerados locos por muchos, con ideas revolucionarias sobre lo que realmente debería ser la enseñanza: Alexander Neill (fundador de la escuela Summerhill), Rudolf Steiner (creador de la pedagogía Waldorf), María Montessori, Loris Malaguzzi (inspirador de las escuelas Reggio Emilia) y entre los locales Constantino Carlvallo.

Escuela Summerhill

Estos educadores postulan la idea de una escuela como organismo vivo, lugar de debate,  intercambio, investigación, trabajo y autoconocimiento. Un lugar donde un niño crece feliz y en libertad, pero no en libertinaje. Sabiendo que es más importante el bienestar emocional de los niños que los logros académicos.

Entonces comprendemos por qué Alexander Neill (Escocia, 1883-1917), quien trabajaba como maestro sustituto en una clásica escuela británica, horrorizado ante el sistema tradicional que incluía castigos corporales, decidió fundar “Summerhill”, con la idea de que lo que educa no es el aula, sino todo el ambiente en que se desenvuelve el alumno . Para Neil, el niño debería tener derecho a vivir su propia vida, no la vida que los padres piensan que debe tener o la que los profesores piensan que debe ser, ya que la educación tradicional solo había logrado engendrar una generación de autómatas.

Neill siempre pensó que el niño es bueno por naturaleza y no al contrario.

Aquí hay algunas claves para entender sus ideas:

“1. La mayor parte del trabajo escolar que hacen los adolescentes es perder el tiempo, la energía y la paciencia. Roban a la juventud el derecho de jugar, jugar y jugar. Desconocemos la cantidad de espíritu creador que se pierde en las aulas a causa de la importancia otorgada a los estudios.

2. En las escuelas hay estudiantes indiferentes y que a fuerza de disciplina y con dificultades pasan a los estudios universitarios, para llegar a ser profesores sin imaginación, médicos mediocres, que podrían haber sido buenos mecánicos.

3. La educación superior y los grados universitarios no sirven de gran cosa en la lucha de los males de la sociedad. No hay ninguna diferencia entre un neurótico instruido y otro ignorante.

4. En todos los países capitalistas, comunistas o socialistas, se construyen escuelas complejas para educar a los niños. Todos estos edificios no tienen ningún sentido porque no ayudan a los niños y adolescentes a vencer males emocionales y sociales engendrados por la presión que ponen los padres y profesores”.

Se diga lo que se diga, los padres siempre buscarán una escuela para sus hijos acordes a su estilo de vida y su simpleza o complejidad y pocos harán un alto y pensarán si el colegio que han elegido es realmente lo mejor para él. Lo bueno es que existen otras alternativas y hay gente dispuesta a ponerlas en práctica.

Vean este video que explica más sobre Summerhill, realizado por estudiantes de primero de Magisterio de Lengua Extranjera de la Universidad de Málaga:

“No hemos de preguntarnos qué necesita saber y conocer el hombre para mantener el orden social establecido; sino: ¿qué potencial hay en el ser humano y qué puede desarrollarse en él?. Así será posible aportar al orden social nuevas fuerzas procedentes de las jóvenes generaciones” – Rudolf Steiner