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Reseña de The Hypo: The Melancholic Young Lincoln y entrevista a su autor Noah Van Sciver

Lo dice: @fatimatv

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The Hypo: The Melancholic Young Lincoln, es el título de la primera novela gráfica del dibujante e ilustrador estadounidense Noah Van Sciver (Denver, 1984). Supe de él gracias una reseña del buen amigo Ciudadano Pop y apenas pude lo compré por nuestro querido y nunca bien ponderado Amazon.com. Luego de haberlo leído, debo decir que, siendo mi primera aproximación a Van Sciever, quedé gratamente sorprendida.

Esta novela gráfica aborda un periodo poco conocido (1837 – 1842) de la vida de uno de los principales íconos de la historia de Estados Unidos, Abraham Lincoln, su juventud (veintitantos) y primeros acercamientos a la vida política.  Considero que su principal valor radica en su aproximación a Lincoln como un ser  humano con la ansiedad e inseguridades de cualquier mortal, muy lejos del endiosamiento y sublimación de la mayoría de bibliografía o filmografía relacionado a este personaje. Lo dicho hace que el lector conecte rápidamente con el joven Lincoln y que incluso se identifique con él. Si bien nos encontramos ante un género de historia ficcionada, Van Sciver realizó un gran trabajo de investigación para llegar a este tan buen resultado.

porchponderingAdemás de su lucha interna, picos depresivos y extremada autoexigencia, esta novela nos muestra a Lincoln padeciendo de una especie de patología que él llama “The Hypo” (hipocondría), que  básicamente consistía en la somatización de su crisis emocional. Parece mentira que la figura tan solvente y recordada por tomar algunas de las decisiones más importantes de la historia de los Estados Unidos, haya pasado por todo lo mencionado en su juventud. Realmente hay que tener una gran fortaleza y perseverancia para madurar y fortalecer el espíritu de esa manera. Muchos autores podrían haber caído en la caricaturización del personaje, pero Van Sciver se las arregló para manejarlo con sobriedad y verosimilitud.

remote_image_cee086adf5Otro aspecto que destaca de The Hypo es el etapa de enamoramiento entre Lincoln y la joven y aristocrática Mary Todd. Si bien los problemas derivados de la oposición incial al compromiso por parte de la familia Todd, por la diferencia de clases sociales entre ambos, generaron ansiedad y miedo al comprimso en Lincoln, considero que el soporte emocional de Mary, ayudaron al buen Abraham a recuperar seguridad y seguir firme en escalar en la vida política.

HypoMe es imposible no comparar el enfoque de este libro con la película Lincoln de Steven Spielberg. Como ya señalé en un reseña anterior, la película pecó a santificar al personaje y no explotar su naturaleza más mundana, justo el enfoque que sí encontramos en The Hypo. A pesar de ello, ambas obras coinciden en que Lincoln fue un muy buen tipo.  Haciendo un símil en cuanto a enfoques podríamos decir que la relación entre la película Lincoln y The Hypo es similar a la de las películas de semana sante versus La última tentación de cristo :p .

Habiendo terminado con mis impresiones sobre el libro, paso a mostrarles una breve entrevista que me concedío el mismo Noah Van Sciver. Agradezco desde aquí su sencillez y gentileza en tomarse el tiempo de responderme. Debo decir que Noah estaba bastante sorprendido de que en el Perú conociéramos de su obra. Obviamente la entrevista fue en inglés, así que mil disculpas si la traducción no está tan buena.

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@fatimatv: Cuándo descubriste tu pasión por los cómics y la ilustración?

Noah Van Sciver: Cuando era muy pequeño. De niño estaba siempre dibujando y creando mis propios cómics.

@fatimatv: Cómo te animaste a hacer una novela gráfica sobre una personaje tan icónico para la historia de Estados Unidos como los es Abraham Lincoln?

Noah Van Sciver: Yo me interesé en Lincoln porque él está por todos lados aquí. Yo quería investigar y encontrar más cuestiones oscuras en su vida, saber quién era él realmente, o simplemente aceptar la visión romántica sobre él. Curiosamente, él en realidad fue un muy buen tipo, tal como decían que era.

@fatimatv: En tu vida personal o carrera artística, alguna vez te has sentido tan angustiado e inseguro como el joven Liconln que muestras en The Hypo?

Noah Van Sciver: Mucha ansiedad. Inseguridad todo el tiempo. Pero todo basado en cuestiones superficiales. Ciertamente no podría comparame con Lincoln.

@fatimatv: Viste la película Lincoln, dirigida por Steven Spielberg y protagonizada por Daniel Day-Lewis ? Te gustó? Qué opinas de su aproximación a Lincoln como ser humano?

Noah Van Sciver: La vi un par de veces. Realmente me gustó. Pienso que hicieron un excelente trabajo.

@fatimatv: Te encuentras trabajando en otra novela gráfica? Nos podrías hablar sobre tus próximos proyectos?

Noah Van Sciver: Estoy trabajando en un nuevo libro llamado “Saint Cole”, del cual se pueden leer los dos primeros capítulos aquí http://www.theexpositorcomics.com/noahfull.html

@fatimatv: Cuáles son tus referencias cómo artista, en cuanto a literatura, música, cine? Podrías mencionar algunos dibujantes que admires?

Noah Van Sciver: Robert Crumb, Joseph Remnant, Daniel Clowes, John Porcellino, básicamente el mismo grupo dibujantes del que todo el mundo habla. En cuanto al cine, realmente me encantan las películas de  Woody Allen y de Noah Baumbach.

El arte de recrear el cine

Lo dice: @fatimatv

El cine además de un arte es una subcultura. Los cinéfilos no sólo vemos cine, leemos de cine, nos interesamos por el detrás de cámaras, las anécdotas que lo rodean, la vida de los directores y actores. Otros “encantos colaterales” de esta expresión artística, son el merchadising (del que hablaremos en un próximo post, haciendo énfasis en las figuras de acción) y los afiches, los cuales considero una disciplina artística aparte. Me ha pasado que el recuerdo más vívido que tengo de una película me remite a su afiche y no a su trama. Un buen afiche te puede decidir a ver una película de la que no tienes mayor referente, lo cual obviamente no garantiza la calidad del filme,  pero sí la eficacia de la pieza gráfica.

En esta oportunidad quiero compartir con ustedes una pequeña muestra afiches no oficiales de películas. Todos han sido elaborados por artistas que han recreado, a través de la pintura o el diseño gráfico, sus experiencias cinéfilas. Trataré de hacer también una breve reseña de casa uno de ellos para que puedan hacerles seguimiento.

Justin Reed, ilustrador estadounidense de 32 años, dedicado casi a exclusividad al arte inspirado en el cine y la cultura pop. Pueden apreciar su galería completa haciendo click aquí.

Tim Doyle , ilustrador y serigrafista natural de Austin, Texas. Ha trabajado para grandes empresas relacionadas a la industria del entretenimiento, como Creature Design, The Astor Theatre, ABC/Disney’s Lost Poster project, Mattel’s He-Man art show, Lucasfilm/ILM, Hasbro, etc. Actualmente presenta una muestra en homenaje a la fimografía de Quentin Tarantino y los hermanos Coen. Pueden ver más de su trabajo aquí

Tyler Stout, este ilustrador saltó a la fama por su trabajo  para el Mondo Mystery Movie, una movida que trata de emular a la catalana Phenomena Experience pero con todo tipo de films míticos, no solo ochenteros, en el que se proyecta una película de culto y hacen un cartel especial para ello que solo se puede comprar si tienes una entrada del evento.

Este evento se realiza en el famoso Alamo Drafthouse Cinema, el cine de Austin, Texas, donde se realizan docenas de eventos similares (sesiones especiales, maratones, ……) y festivales. Puedes leer una muy completa entrevista a Stout aquí y su galería completa aquí.

Ken Taylor, ilustrador y diseñador gráfico australiano que, si bien se ha dedicado principalmente a la industria musical, su incursión en las recreaciones cinematográficas no pasa desapercibida. Ha diseñado piezas gráficas para bandas del calibre de Queens of the Stone Age, Metallica, Pearl Jam, Nine Inch Nails, Kings of Leon, Bob Dylan & The Rolling Stones.

Tom Whalen, su trabajo  como ilustrador está visiblemente marcado por años de coleccionismo de comics y su obsesión por las películas japonesa de monstruos.  Whalen es un friki de los pies a la cabeza. Puedes revisar más de este artista en su perfil de deviantart


Espero que les haya gustado esta pequeña selección.

Actualización:

@El_Riquillo me hizo acordar que omití a un artista gráfico imperdible en este rubro. Se trata de Sean Hartter. Su especialidad es rediseñar, al más puro estilo vintage, afiches de  películas protagonizados por íconos de la época dorada de Hollywood, para recrear blockbusters contemporáneos. Disfruten su galería completa aquí.

La silla de Warhol

Lo dice @claudics

Silla eléctrica

Silla eléctrica

Como este blog se llama Silla Ecléctica siempre termino buscando referencias a sillas de todo tipo, en pintura, en poesía y en diseño y encuentro cosas interesantes porque una silla dice mucho de la persona que la posee y puede producir una serie de metáforas por la forma como se utilice  o donde se encuentre.

¿A qué viene este comentario y qué tiene que ver con el tema de esta serie de posts de aniversario sobre Warhol y el Pop art? Pues que en la prolífica obra de nuestro Andy destaca un trabajo que es diferente. No es glamoroso, no es alegre, no es sexy, no representa a alguna celebridad ni es un exitoso producto de consumo masivo publicitado incansablemente. Al contrario, es un objeto dramático producto de los graves problemas de nuestra sociedad y es un tema muy serio que nos compete a todos porque con él medimos cuan humana y civilizada es nuestra cultura. Puede ser que te parezca necesaria o que te parezca espantosa: La silla eléctrica.

Warhol comenzó a usar esta potente imagen en 1963, el año en que se dió fin a la pena capital en el estado de New York, como parte de la serie Death and Disaster y la siguió utilizando durante los años siguientes debido a la gran controversia moral y política originada en diversos sectores de la sociedad norteamericana.

En esta serie de serigrafías no es que Warhol abandone lo pop, en realidad, este es un tema que estaba en el candelero en esos años y de lo cual la gente discutía acaloradamente, era el asunto de moda. Sin embargo no es algo que él tome a la ligera. Se nota la profundidad y lo poderoso del tema y de hecho hay estudios y monografías estudiando el detalle, la composición y el significado de la silla eléctrica.

Uno de los ensayos dice en su resumen : Este ensayo explora la relación del diálogo entre el arte y la ley, y argumenta que la revisión de La Silla Eléctrica de Andy Warhol, y nuestra respuesta colectiva a las pinturas, amplía el discurso jurídico sobre la pena capital en este país. El ensayo sostiene que las pinturas, y su estatus de icono en nuestra cultura, llaman la atención sobre nuestra fascinación con la muerte en general, el Estado administra la muerte, en particular, para el espectáculo de la pena capital, y para nuestra historia de la obtención de placer por contemplación  la muerte. También sostiene que Warhol plantea una cuestión importante, que implica la raza y el sexo y la religión y la discapacidad y la edad y el confort: ¿Con quién estaríamos cómodos visualizándolo en la silla?
On Andy Warhol’s Electric Chair I. Bennett Capers. Hofstra University – School of Law

Al parecer en los años 60 muy poca gente había visto como era una cámara de ejecución. La silla desocupada, el cartel de “silencio” en una esquina, la casi oscuridad reinante, el ambiente tenebroso, es una imagen fuerte y poderosa.

Como ya dije anteriormente, Warhol es siempre actual. En el 2003, 10 de estas serigrafías a gran escala y muchas otras en pequeño formato, fueron utilizadas en una exposición en Illinois en contra de la pena de muerte para el Proyecto Andy Warhol´s Electric Chair: Reflecting on Capital Punishment in America y actualmente una de las sillas está en exhibición Desmoines Art Center.

En esta página, una entrevista al poeta y asistente de Andy, Gerard Malanga, sobre el proceso de creación de la serie Death and Disaster

Y para hacer la cosa menos dramática, acá otro tipo de silla. Una silla homenaje para Andy Warhol y sus pelucas.

Silla homenaje y autorretarto de Andy Warhol con peluca.

Silla homenaje y autorretarto de Andy Warhol con peluca.

Warhol, Velvet, Nico y la banda sonora de New York

Lo dice: Isabella X.

 

Desde su fundación en 1963, y durante su existencia conocida como “La Edad de Plata” (gracias a su decorado que cubría todo de aluminio), cada día ocurría algo nuevo en La Factoría de Warhol y por supuesto a Andy le encantaba escuchar que New York no era nada antes de él.

La Factoría no era solo un lugar para desarrollar su trabajo artístico, sino también para hacer películas, fiestas y performances alucinatorias. En esta categoría entra el famoso “Exploding Plastic Inevitable”, todo un espectáculo audiovisual que incluía cine, danza y música en vivo con Velvet Underground y Nico.

Pero entonces, quiénes fueron Velvet Underground y quién fue Nico?, a parte de ser en algún momento Warhols Superstars.

En aquella época Warhol se encontraba en la búsqueda de nuevos proyectos y en ese momento se encuentra con Lou Reed, John Cale (cerebros de la banda) y compañía, quienes tocaban y hablaban justamente de lo que Warhol buscaba. Luego de apadrinarlos, los convence de incluír a Nico, cantante, actriz, modelo y musa warholiana, en la banda y es así que graban su primer álbum: THE VELVET UNDERGROUND AND NICO (1967), joya incluida en cuanta lista de álbumes imprescindibles en la historia del rock norteamericano existe. Sin embargo, este disco no fue ni un éxito de ventas ni nada parecido, por el contrario fue totalmente controvertido por su temática oscura y por aquellas letras que tenían como inspiración literatura sadomasoquista, entre otras cosas. Las radios no querían pasar las canciones, las disqueras no querían distribuirlo, e incluso las primeras copias fueron muy comentadas porque tenían un sticker que decía “peel slowly and see”, y al hacerlo podías ver un plátano color carne bajo el diseño original. Los comentarios sobran.

Terminado este periodo Velvet Underground se desliga tanto de Warhol como de Nico, y cada cual continua su camino, grabando cada uno discos que hasta hoy son considerados de culto por su innovación y que han servido de influencia a agrupaciones posteriores de diversos estilos. En el caso de Velvet Underground, no hay quien no pueda decir que su presencia fue decisiva en la historia del rock y fue una de las bandas más importantes de los sesenta.

Y para finalizar, si no has escuchado el álbum, nuestras recomendaciones son: “Venus in furs” ,”I’ll Be Your Mirror”,  “Heroin” y “I’m waiting for the man”. Cierra los ojos y piensa en terciopelo.

 

 

Lady Warhol

Lo dice: fatimatv

Continuando con el ciclo de Pop Art por el aniversario de la Silla Ecléctica, elegí escribir sobre una faceta desconocida de Andy Warhol. No la del mundialmente conocido artista plástico, sino la de “musa”. Y es que en el libro Lady Warhol, presentado el pasado 3 de noviembre, el buen Andy se convierte en la fuente de inspiración del fotógrafo estadounidense Christopher Makos. Y por qué Lady? bueno, como ya habrán visto en la foto que encabeza este post, el libro se llama de esa manera porque su protagonista, tal como lo hiciera décadas atrás Marcel Duchamp (principal influencia de la corriente Pop Art) quien creó un alter ego femenino llamado Rrose Sélavy para posar ante el lente de Man Ray, posó transformado en mujer, valiéndose de 8 pelucas e ingentes cantidades de maquillaje,  para una sesión fotográfica de 2 días, 16 hojas de contactos y 349 disparos de cámara.

Mucho se ha hablado respecto a la sexualidad de Warhol y algunos creerán que estas fotos se convierten en la prueba irrefutable, o confirmación, de su homosexualidad. A mi la verdad me importa poco con quien se acuestan los artistas que sigo o admiro. Luego de revisar algunas de las fotos de Lady Warhol para nada creo que la sesión haya pretendido ser una posición de principios respecto a la opción sexual del modelo o del fotógrafo, o siquiera una llamado a la tolerancia ante la diversidad sexual.  Es más bien, tal y como indica el propio Makos en el texto introductorio del libro “ una especie de muestrario sobre la

identidad; no tratan sobre las drag queens, ni sobre Andy travestido, ni siquiera sobre Andy Warhol: son el registro de una colaboración entre ambos, modelo yfotógrafo”.  Considero que trataban de reafirmar la versatilidad de Warhol para estar a ambos lados de la orilla, como artista, y como objeto artístico capaz de ser admirado de manera inmediata por los “consumidores” . Hay un componente de vanidad?? Sí, mucho. Pero vamos, es Warhol, un socialité neoyorkino que hizo arte de la vanidad y el consumismo, un populista del arte, como refiere Makos. Su objetivo era gustar al público, y mientras más gente mejor. Llevó el arte más allá de las esferas culturosas y snobs. Quién no reconoce a Marilyn Monroe, a las latas Campbell o a Mohamed Ali, como nos recuerda @claudics en su post Pop Art 101.

Este libro contiene además varias reflexiones de Makos acerca de su trabajo, de las críticas que le hicieron todos estos años y  del recuerdo que guarda de Andy.  Sobre Christopher Makos cabe resaltar que estudió arquitectura en París, donde trabajó como aprendiz de Man Ray durante un corto periodo y que Andy Warhol, buen amigo de Makos y con frecuencia objeto de sus retratos, decía de él que era “el fotógrafo más moderno de América”. Espero que con lo de moderno haya querido decir vanguardista :S

Se detalla en la nota de prensa que Lady Warhol presenta “más de 100 fotografías en blanco y negro. Más de 100 retratos que tocan diferentes poses y planos o enfoques: plano detalle, americano, de medio cuerpo, lateral, como si de un busto romanos se tratara, el cuerpo y los sutiles gestos del icono de Pop Art condicionan una serie caracterizada por el amplio lenguaje corporal del modelo que pone de manifiesto su evidenciada necesidad de expresarse ante el público”.

Como lo atestigua el cuadro que tengo en mi oficina, soy fan de  Warhol y de la cultura pop en general, porque lleva el arte a todo el que quiera ver y demuestra, con buenos o malos ejemplo, que se puede hacer arte de casi cualquier cosa. Es por ello que recomiendo a todos tratar de conseguir Lady Warhol, les aseguro que se dejarán seducir por la imperiosa necesidad de Makos y Warhol de transgredir y trascender,  mostrada en cada toma,  pose y  mirada.

Finalmente los dejo con un video de la presentación del libro editado por La Fábrica Editorial y cuyo precio en el mercado europero es de 55 euros. Espero que lo podamos tener en Lima pronto.

Andy Warhol: Pop art 101

Lo dice: claudics

Andy Warhol

Andy Warhol

Silla ecléctica está de aniversario, en realidad, ya hace varias semanas pero es motivo para realizar una serie de posts con un tema común que nos interesa: el pop art y que hemos tocado previamente en esta silla. La mejor manera que encontramos fue hacerlo con el artista más polémico e influyente de ese estilo y uno de los más (obviamente) famosos del siglo XX, Andy Warhol.

Warhol es conocido sobre todo por la serie de pinturas y serigrafías de celebridades como Elvis, Marilyn, Mao, Alí y Liz; de los cuáles ni siquiera necesito decir el apellido para saber de quien se está hablando y de productos de consumo masivo como Coca Cola y sopas Campbell. No por gusto Andy se inició como artista comercial (Aquí su primer trabajo para la revista Glamour) y de hecho tuvo mucho éxito en ese campo. Sus ilustraciones fueron publicadas en varias revistas y usadas en avisos publicitarios. Siempre hubo una conexión entre su glamoroso arte y los objetos de consumo masivo.

Marilyn Monroe

Marilyn Monroe

Las mayores influencias en su arte fueron la publicidad, los cómics y las tendencias artísticas en boga. Siempre fue un artista mediático y fue duramente criticado por otros artistas por “venderse al sistema” ya que nunca tuvo problemas para promocionarse ni para vender sus obras a los mejores postores. La gran influencia en su vida fue su madre, quien incluso colaboró con él en algunos trabajos gracias a su exquisita caligrafía y a su buen gusto.

Otras facetas de Andy fueron el video y las películas, de hecho fue el primero en usar esta técnica como expresión de arte y filmó cientos de horas de sus actividades y las de sus amistades y protegidos que visitaban su enorme taller llamado The Factory, ese era el sitio donde tenías que estar si tenías alguna vinculación  con las artes

Mohamed Alí

Mohamed Alí

plásticas o la música para ser alguien. Era tal su influencia que con su sola aprobación impulsó las carreras de Velvet Underground, Nico, Basquiat, Jack Armstrong, Steve Kaufman, Ultra Violet entre otros. Después se vería quienes fueron reales talentos y quienes solo personajes aprovechando sus 15 minutos de fama, una de las frases más conocidas de Warhol y que todo el mundo utiliza hoy en día.

Campbells

Latas de sopa Campbells

Y por supuesto no es lo único que todo el mundo imita hoy en día de lo hecho por Warhol. Debido a la moda retro, que ha puesto de moda las tendencias de los años 70 y 80, Andy Warhol sigue en boga y tal vez más que antes. Hoy sus obras se valoran en precios impensables en los 80 y hace poco alcanzaron su pico más alto. Es hoy un personaje de culto que incluso ha inspirado una fragancia. Si van a ver galerías de arte en cualquier lugar del mundo siempre hay alguna exposición en homenaje o van a encontrar artistas que tratan de reinventar el pop art. No hay duda: está de moda aunque ya no está en este mundo hace 23 años. Y cuando digo de moda puedo decirlo literalmente ya que ha inspirado toda una colección de ropa de la famosa diseñadora pop Betsey Johson. La influencia de Warhol está en todas partes, simplemente miren a su alrededor y encuéntrenla en afiches, obras de arte, moda y diseño.

Andy Warhol come una hamburguesa

Vitrina de Barney´s en homenaje a Warhol

Andy Warhol en Japón

Más sobre Andy:

Exposición en Lima del 2007

Biografía en castellano

Warhol at Phillips de Pury tops New York contemporary art sales

La fundación Andy Warhol