Hoy murió el dictador argentino Jorge Videla y no hay mejor contexto para reseñar y recomendar la novela gráfica «El Síndrome Guastavino». Con guión de Carlos Trillo y dibujos de Lucas Varela, fue originalmente publicada por entregas (entre los años 2007 y 2008) en la revista Fierro, y posteriormente editada en formato álbum.
El Síndrome Guastavino, al estilo de la comedia negra, nos presenta una radiografía psicológica, o más bien psiquiátrica, de lo que para Trillo es la Argentina de los hijos de la violencia de estado de los 70. Busca transmitirnos la enorme y dolorosa huella que ha dejado la dictadura militar en una sociedad reconocida por muchos por su orgullo nacional y sus manifestaciones artísiticas.
Uno de los principales aciertos de esta novela, es que el estilo colorido y caricaturezco del dibujo de Varela, así como la sutiliza del incio del relato, lleva al lector a pensar que la obsesión o fetiche del protagonista, el mediocre oficinista Guastavino, por las muñecas, es una simple excentricidad objeto de burla. Sin embargo, mientras avanza la historia nos enfrentamos con crudeza a una crítica frontal a las brutales prácticas destinadas a «preservar el orden interno» y torturas sistemáticas aplicadas por los militares videlistas a todo aquel que fuera sindicado como «comunista» o contrario al régimen, con especial ensañamiento en las mujeres.
Carlos Trillo, escribió una nota para acompañar el capítulo final del Síndrome Guastavino en la revista Fierro, que reproduzco a continuación:
«Una mala idea: Nos dijeron muchas cosas sobre Guastavino. Antes de aparecer en Fierro que era demasiado fuerte para ser publicada. Durante los meses que duró su desarrollo, que teníamos la cabeza podrida, que Lucas Varela nunca volverá a ser el mismo después de dibujar esta historieta, que porque no aprendemos de las sublimes sutilezas de Minaverry, que “quedé tan enganchado a esta cosa enferma que están haciendo, que voy a tener que comprar la próxima Fierro, yo que había decidido decirle al diariero que no me la traiga más”. El mismo Varela me llamó un día para pedirme que tuviéramos un poco de piedad, por favor. Uno aprendió que los hechos no son dramáticos en sí mismos. El drama requiere la participación del que lo mira. Ver el elemento dramático (cómico, farsesco, divertido, trágico) de un acontecimiento significa tanto percibir los elementos en conflicto como reaccionar emocionalmente ante ellos. Uno aprendió, también, que en este país pasaron cosas muy feas. Y que esquirlas de la peor locura han ido quedando en demasiadas cabezas compatriotas. Y entre tantos aprendizajes hemos absorbido este enunciado irrenunciable: todos los relatos terminan. Y eso pasa hoy con esta historia de Guastavino, el tipo que aspiraba a un cielo con represores con alitas que sacan dulces melodías de sus picanas y con muñecas que sólo piensan en el amor. No te vamos a extrañar una mierda Guastavino.»
Pueden encontrar El Síndrome Guastavino en librerías Ibero o SBS. Realmente vale la pena leerlo y tener presente las secuelas que dejan regímenes totalitariospara que no se vuelvan a repetir.
The Hypo: The Melancholic Young Lincoln, es el título de la primera novela gráfica del dibujante e ilustrador estadounidense Noah Van Sciver (Denver, 1984). Supe de él gracias una reseña del buen amigo Ciudadano Pop y apenas pude lo compré por nuestro querido y nunca bien ponderado Amazon.com. Luego de haberlo leído, debo decir que, siendo mi primera aproximación a Van Sciever, quedé gratamente sorprendida.
Esta novela gráfica aborda un periodo poco conocido (1837 – 1842) de la vida de uno de los principales íconos de la historia de Estados Unidos, Abraham Lincoln, su juventud (veintitantos) y primeros acercamientos a la vida política. Considero que su principal valor radica en su aproximación a Lincoln como un ser humano con la ansiedad e inseguridades de cualquier mortal, muy lejos del endiosamiento y sublimación de la mayoría de bibliografía o filmografía relacionado a este personaje. Lo dicho hace que el lector conecte rápidamente con el joven Lincoln y que incluso se identifique con él. Si bien nos encontramos ante un género de historia ficcionada, Van Sciver realizó un gran trabajo de investigación para llegar a este tan buen resultado.
Además de su lucha interna, picos depresivos y extremada autoexigencia, esta novela nos muestra a Lincoln padeciendo de una especie de patología que él llama «The Hypo» (hipocondría), que básicamente consistía en la somatización de su crisis emocional. Parece mentira que la figura tan solvente y recordada por tomar algunas de las decisiones más importantes de la historia de los Estados Unidos, haya pasado por todo lo mencionado en su juventud. Realmente hay que tener una gran fortaleza y perseverancia para madurar y fortalecer el espíritu de esa manera. Muchos autores podrían haber caído en la caricaturización del personaje, pero Van Sciver se las arregló para manejarlo con sobriedad y verosimilitud.
Otro aspecto que destaca de The Hypo es el etapa de enamoramiento entre Lincoln y la joven y aristocrática Mary Todd. Si bien los problemas derivados de la oposición incial al compromiso por parte de la familia Todd, por la diferencia de clases sociales entre ambos, generaron ansiedad y miedo al comprimso en Lincoln, considero que el soporte emocional de Mary, ayudaron al buen Abraham a recuperar seguridad y seguir firme en escalar en la vida política.
Me es imposible no comparar el enfoque de este libro con la película Lincoln de Steven Spielberg. Como ya señalé en un reseña anterior, la película pecó a santificar al personaje y no explotar su naturaleza más mundana, justo el enfoque que sí encontramos en The Hypo. A pesar de ello, ambas obras coinciden en que Lincoln fue un muy buen tipo. Haciendo un símil en cuanto a enfoques podríamos decir que la relación entre la película Lincoln y The Hypo es similar a la de las películas de semana sante versus La última tentación de cristo :p .
Habiendo terminado con mis impresiones sobre el libro, paso a mostrarles una breve entrevista que me concedío el mismo Noah Van Sciver. Agradezco desde aquí su sencillez y gentileza en tomarse el tiempo de responderme. Debo decir que Noah estaba bastante sorprendido de que en el Perú conociéramos de su obra. Obviamente la entrevista fue en inglés, así que mil disculpas si la traducción no está tan buena.
@fatimatv: Cuándo descubriste tu pasión por los cómics y la ilustración?
Noah Van Sciver: Cuando era muy pequeño. De niño estaba siempre dibujando y creando mis propios cómics.
@fatimatv: Cómo te animaste a hacer una novela gráfica sobre una personaje tan icónico para la historia de Estados Unidos como los es Abraham Lincoln?
Noah Van Sciver: Yo me interesé en Lincoln porque él está por todos lados aquí. Yo quería investigar y encontrar más cuestiones oscuras en su vida, saber quién era él realmente, o simplemente aceptar la visión romántica sobre él. Curiosamente, él en realidad fue un muy buen tipo, tal como decían que era.
@fatimatv: En tu vida personal o carrera artística, alguna vez te has sentido tan angustiado e inseguro como el joven Liconln que muestras en The Hypo?
Noah Van Sciver: Mucha ansiedad. Inseguridad todo el tiempo. Pero todo basado en cuestiones superficiales. Ciertamente no podría comparame con Lincoln.
@fatimatv: Viste la película Lincoln, dirigida por Steven Spielberg y protagonizada por Daniel Day-Lewis ? Te gustó? Qué opinas de su aproximación a Lincoln como ser humano?
Noah Van Sciver: La vi un par de veces. Realmente me gustó. Pienso que hicieron un excelente trabajo.
@fatimatv: Te encuentras trabajando en otra novela gráfica? Nos podrías hablar sobre tus próximos proyectos?
@fatimatv: Cuáles son tus referencias cómo artista, en cuanto a literatura, música, cine? Podrías mencionar algunos dibujantes que admires?
Noah Van Sciver: Robert Crumb, Joseph Remnant, Daniel Clowes, John Porcellino, básicamente el mismo grupo dibujantes del que todo el mundo habla. En cuanto al cine, realmente me encantan las películas de Woody Allen y de Noah Baumbach.
AÑO: 2012
DURACIÓN: 127 minutos PAÍS: Estados Unidos DIRECTOR: Ang Lee GUION: David Magee (Novela: Yann Martel) MÚSICA: Mychael Danna FOTOGRAFÍA: Claudio Miranda
PREMIOS: 11 nominaciones al Oscar, incluyendo Mejor Película y Director. Globos de Oro: Mejor Banda Sonora. Tres nominaciones, incluyendo Mejor Película Drama. BAFTA: Mejor Fotografía y Efectos Visuales. Nueve nominaciones
ELENCO: Suraj Sharma – Pi PatelIrrfan Khan – Pi (adulto), Tabu – Madre de Pi, Adil Hussain – Padre de Pi, Shravanthi Sainath – Novia de Pi, Gerard Depardieu – El chef, Rafe Spall – Yann Martel
Trailer de Life of Pi:
Escogimos Life of Pi (Una aventura extraordinaria, tal es el título que se le ha a dado en nuestro país) para verla en la tarde de un domingo familiar porque la podía ver una niña de 10 años, aún con algunas escenas un tanto violentas para un menor pero nada muy cruento. Además, varios entusiamados amigos la habían alabado y las críticas hablaban de una gran historia de «aceptación, superación, despedidas y fe». No se si es solo cosa mía pero hay demasiadas críticas buenas para esta película en internet, parece que en verdad ha gustado, lo cual evidentemente se traduce en la exitosa taquilla a nivel mundial. Sin mencionar que el libro en el cual está basado es un best seller con alrededor de 7 millones de copias vendidas.
Una fábula es un relato ficticio donde intervienes personas y animales con una intención didáctica frecuentemente manifestada en una enseñanza o moraleja final, instructiva para la vida. Y eso es ésta película, una extendida fábula en 3D. Y muy pretenciosa, no deja lugar a que el espectador piense.
La fotografía, el diseño de producción, los colores ultranaturalistas, los efectos visuales, el uso del 3D, la generación digital de los animales y el agua, los paisajes alucinantes son excelentes. Ang Lee, el maestro del encuadre, se luce en cada toma con un espectáculo visual de gran nivel y la fotografía pertenece al nominado al Oscar Claudio Miranda (El curioso caso de Benjamin Button y Tron, el legado) quien ha diseñado una arquitectura visual que hace espirituales los espacios. En Chile, su país de origen están muy emocionados con la nominación (El ‘chileno’ que está a las puertas de la gloria de Hollywood).
Pero el argumento que en un momento del film se anunciaba interesante y generaba expectativa se derrumba, creo yo, por la manipulación de la sensibilidad del espectador. Detesto cuando el director quiere llegar a mi corazón y a mis sentimientos de manera facilista. No digo que el cineasta no te pueda manipular, claro que lo hacen pero es bueno cuando no te das cuenta. Sucede algo con esta historia que no me cuadra del todo. Puede ser lo del espiritualismo posmoderno y la religiosidad universal, y no tengo nada contra las religiones o puede ser eso de que el personaje emprende un ‘viaje épico de aventura y descubrimiento con una historia de reflexión y perseverancia y gracias a lo imbatible del espíritu humano supera las dificultades’. Demasiado «buenondismo’.
Consulté con algunas personas a quienes les gustó la película, el por qué de ello y la respuesta mayoritaria fue porque Pi supera las desgracias ocurridas con entereza, se enfrenta a lo malo y lo vence pero no necesita sumirse en su pena ni hacer escuchar a los demás su historia trágica sino que precisa cambiar su realidad y con eso cambiar de vida. Eso le ayuda a superar el trauma, evadiendo la realidad se protege y gracias a ello todo tiene final feliz. No creo que necesite spoiler alert porque a estas alturas todos ya saben de que va.
Algún amigo de Twitter (sorry, no recuerdo quién) dijo que esta película era Paulo Coelho en 3D y no puedo estar más de acuerdo. Yo no leo libros de autoayuda por lo simplistas que son y esta película es, para mi, el libro de autoayuda mejor empaquetado, con la portada y las ilustraciones más hermosas, pero un libro de autoayuda al final. Se que a mucho les gustan estos libros por el mensaje y por lo que puede significar la reflexión de la historia para sus vidas. A muchos les ayuda a mejorar su persona y sus condiciones de vida. Mucho ¿no? Creo que ahí comienza el problema, demasiado bonito. De acuerdo, a una enorme cantidad de gente eso de la autoayuda le funciona bien, de hecho les ayuda de verdad pero en el caso de esta cinta, eso no funciona. También dijeron que era el nuevo Avatar pero tampoco gusté de esa película aunque de igual manera, visualmente era buena.
Me han gustado casi todas las películas de Ang Lee que he visto, menos Hulk, y en general su obra ha sido bien aceptada por la crítica y ha recibido varios premios. The Wedding Banquet, Eat Drink Man Woman, Sense and Sensibility, The Ice Storm, Crouching Tiger, Hidden Dragon y Brokeback Mountain funcionan no solo por la presentación visual sino porque ha contado historias que te envuelven y te atraen, te comunican y trascienden. Ha sido osado tocando el tema de la homosexualidad en el cine asiático y en el ambiente de los vaqueros norteamericanos y llevó el mundo de las artes marciales y el encantador exotismo de Oriente a Hollywood, más allá de la serie B.
La mejor actuación, Gerard Depardieu en el papel del cocinero malvado que es en realidad un cameo y Suraj Sharma está bastante bien para ser debutante. Este es el tipo de película que puede gustar a la Academia por la historia de superación personal, la estética del film y el exotismo de la India. De hecho tiene 11 nominaciones aunque lo más seguro es que termine llevándose los premios técnicos. Hagamos apuestas.
• El soundtrack de la película también es hermoso, como para momento grato de relajamiento. Aca va completo:
• Si quieren solo la canción de Pi, acá está con la voz de la nominada al Oscar Bombay Jayashree:
«Aquí todo es chévere, los actores, la música y la enfermedad mental»
Las credenciales con las que Silver Linings Playbook llegó a nuestra cartelera eran de peso. 8 nominaciones al Oscar, 7 de ellas en las principales categorías (Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Actiz, Mejor Actor de Reparto, Mejor Actriz de Reparto, Mejor Guión Adaptado). Cuestión que, si no me equivoco, no pasaba hace 32 años. Quién no pensaría que pintaba como un peliculón. Pues no es así, Silver Linings es simplemente una película entretenida, buena onda, que no toma riesgo alguno. Como para ver en bluray un domingo por la tarde en familia.
Antes de sustentar mi apreciación, quisiera que alguien me expliqué por qué aquí tradujeron el título de la película como «Juegos del Destino»? La traducción más adecuada considero que es la utilizada en otros países de habla hispana «El lado bueno de las cosas». Ese título grafica claramente la propuesta principal del filme. Todo es posible, todo es lindo si hay amor y fuerza voluntad. No hay problema, enfermedad mental o medicación que valga. Pues:
Mientras veía la película pensaba en la cantidad de gente que pone en su bio de tuiter o facebook, como si fuera una gracia, que es bipolar, y me decía «a esos esta película les va a encantar». Lo cual no es buen síntoma para nada. Pero vamos, tampoco se puede culpar a David O. Russell, el director, por tomar estas opciones. Es ampliamente conocido que a la Academia le encatan las películas de autosuperación. Además, la fórmula gente linda + enfermedad mental (obviamente nada muy hardcore como la esquizofrenia o psicopatía) + final feliz, no se había explotado del todo y tiene mucho público cautivo.
Creo que mi principal observación a Silver Linings es su aproximación superficial a todo, a los personajes, a la enfermedad mental, a los vicios, los diálogos, la vida.
Empecemos por las actuaciones. A pesar de la nominación al Oscar de los 4 personajes principales, ningún de ellos llega a cuajar. Pat (Bradley Cooper) está tan definido por su bipolaridad y obsesiones que, salvo por la simpatía innata del actor, no llega a conectar con el público. La cuestión que desencadena su crisis es también bastante floja. En todo caso, si querían abordar el tema de la biporalidad hubieran podido hacerlo de manera mucho más inteligente, no simplemente caricaturizarlo.
El padre de Pat, protagonizado por Robert De Niro, no se termina de definir ni en la construcción de una relación paterno-filial que le de sentido a su personaje, ni en la claridad respecto a los desórdenes mentales que padecía y que podrían haberlo acercado más a su hijo. Lo que queda claro es que es un apostador empedernido y fan de Las Aguilas (equipo de fútbol americano). Ah sí, apostar hasta tu último centavo también es chévere. Y bueno, ya aburre De Niro con sus mismos gestos y actitud. Está en el mismo personaje desde hace 15 años.
Las actuaciones femeninas son de lejos mejores. La madre del protagonista, Dolores (Jacki Weaver), es bastante convincente, sobre todo al inicio, en su interpretación de una madre de sufrida, capaz de todo por reconfortar a su hijo en problemas. Lástima que el personaje de va diluyendo mientras avanza la historia.
Jennifer Lawrence en su papel de Tiffany, también bipolar y algo ninfómana, debe ser lo mejor de esta película llena de clichés y lugares comunes. Con su aparición se aporta frescura, irreverencia y picardía a la trama plana que se plantea. Pero definitivamente tampoco su personaje tiene bien estructurado su perfil psiquiátrico. No llega a bipolar, se queda en histérica calentona, pero obviamente con buen corazón (y boobies) awwwwwwwww.
De otro lado, la historia de amor es bastante fresa, salvo por ser Pat y Tiffany jóvenes y lindos, no parecen tener más en común que su intestabilidad emocional. Su aproximación inicial es muy abrupta, sin embargo, mientras ambos personajes pasan más tiempo juntos se van generando mayores nexos. Me pareció muy interesante el planteamiento de que cada uno de los personajes crea que está ayudando al otro. No sólo Pat y Tiffany, sino padres, amigos, hermanos. Todos pretenden hacer un plan para salvar al otro y se terminan salvando ellos mismos.
También se pueden rescatar chispazos cómicos bastante buenos. Me gustó particularmente la escena de la cena entre Pat y Tiffany. Además de divertida, tiene uno de los mejores diálogos de la película y es la única ocasión que te permite conocer un poco más a fondo a los personajes principales.
[SPOILER ALERT] Otra escena muy divertida, aunque lo pudo ser más si no revelaban tantos datos sobre la coregrafía final, es la del concurso de baile. Quisieron hacer la misma jugada que Little Miss Sunshine pero no les resultó del todo. Sin embargo eso no resta el buen rato que hace pasar y la buena elección de la música.
Finalmente, reitero que Silver Linings Playbook no es más que una película entretenida, lo cierto es que tampoco tiene mayor pretensión. En ese contexto me parecen inmerecidas tantas nominaciones al Oscar.
P.D A continuación pueden ver 30 minutos de detrás de cámaras de la película:
Argo (2012) 120 min. Género: Triller Director : Ben Affleck
Guion: Chris Terrio, basado en el libro “The Master of Disguise”, testimonio de Antonio J. Mendez, aka Tony Mendez, ex miembro CIA y el artículo periodístico “Escape desde Teherán”, de Joshuah Bearman.
Tras la caída del Sha de irán, la embajada americana -nación acusada de proteger al ex gobernante- sufre la invasión de las multitudes opositoras, capturando a varios trabajadores extranjeros. Sólo algunos logran escapar, escondiéndose en la embajada canadiense. El gobierno americano busca rescatarlos y sacarlos del país. Para ello, la única “mejor peor idea” es la que propone un experto de la CIA: hacer pasar a los refugiados, como personal de una producción de Hollywood.
“Es una película para cualquiera que tenga ojos”
Como director, Ben Affleck hace su tarea con paciencia y meticulosidad: recrea una época turbulenta y cuenta una historia fácil de digerir, manteniéndote todo el momento esperando que el grupo de refugiados logre salir inherme de un país convulsionado y lleno de animadversión a ellos. Como actor, Ben Affleck logra plantar en escena a agente de la CIA humanizado, recursero y tal vez por ello, más cercano al espectador que los propios refugiados, quienes pasan su encierro viendo televisión, fumando y discutiendo sobre la situación política u oponiéndose algunos, a la operación de salvamento.
Argo es materia dispuesta para el Oscar por la simpleza de su planteamiento y por el tema histórico -díganme qué puede haber de novedoso, ya lo ven con Lincoln- donde siempre ganan los buenos. Por supuesto, aquel acontecimiento tiene muchos más matices, así como inexactitudes históricas que tal vez hechas notar podrían cambiar el tono del filme. No pasa, pues. Uno se traga aquellos “descuidos” y clichés, con el fin de lograr pasar un gran momento cinemátográfico que puede llevarte a recordar los grandes filmes de espías de la Guerra Fría, incluyendo -por supuesto- a los de James Bond. Algunos intentan decir que Argo ya tiene un planteamiento similar al del film Rescate en Entebbe (Raid on Entebbe, 1976), filme televisivo basado en la toma de rehenes por parte del Frente Popular de Liberación de Palestina y el grupo terrorista alemán Células Revolucionarias.
Puedes ver Raid on Entebbe en Youtube:
En lo que respecta a Argo, el planteamiento de la historia es lineal, porque sólo interesa el acontecimiento del rescate y teniendo en cuenta ello, las historias de los personajes sólo son un pretexto para que la trama no se quede colgada. Es cine de acción y por unos pincelazos -las escenas del montaje hollywoodense- cómicos, extraordinariamente refrescantes en una película que hubiera sido tremendo chanchacón melodramático.
Sin embargo, tal vez sea justo aquella simpleza de planteamiento y el ritmo sostenido con el que se cuenta, que logra atrapar al espectador desde el primer momento, mostrando hasta tres historias simultáneas que terminan de juntarse: Los miembros de la CIA haciendo alucinante brainstorming, con su subsecuente papeleo burocrático, la falsa producción hollywoodense y su desconexión aparente hacia el problema; y finalmente los refugiados que, pese a estar escondidos, experimentan la angustia de lo incierto -y peligroso- de su situación. La resolución del conflicto da, por momentos, un cierto extraño sabor de boca para los que no somos gringos: todo aquello que es diferente a ellos, es un hermano menor al qué aplacar, con un par de juguetes. En todo caso, deja contento a Tony Mendez quien dijo en una entrevista: “Soy el primer espía adorable”. Yo pensaba en el 007…
En todo caso, recomendable para pasar un buen momento. Bien narrada, bien editada. Con algunos imperceptibles errores sobre algunos accesorios de época. Impecables actuaciones de Affleck, Goodman, Arkin y un sobrio (aunque se desgañita a gritos) Cranston.
Tal vez algunos consideren la categoría Cortos Animados como una categoría menor, sin embargo, quienes gustan de la animación, como yo por ejemplo, la disfrutan mucho. Es por eso que les presentamos los cinco cortos animados nominados a los Premios Oscar 2013:
1. Adam and Dog, dirigido por Minkyu Lee. Este no solo es un corto para amigos de los animales, en especial de los perros (sospecho que este será el favorito de @FatimaTV), sino que es también es un corto para los seguidores de la animación tradicional.
En el Tumblr de “Adam and Dog” encontrarán dibujos, videos y más información sobre el corto: http://adamanddog.tumblr.com
2. Paperman, dirigido por John Kahrs y producido por Disney. Es uno de mis favoritos, tal vez porque habla de romance, pero en la medida justa. Quienes fueron a ver “Ralph, el demoledor”, tuvieron la oportunidad de verlo en el cine.
3. Head over heels, dirigido por Timothy Reckart y Fodhla Cronin O’Reilly. Este corto en stop-motion fue premiado en los Annie Award, que es un premio de la Asociación Internacional de Películas Animadas. Tan lejos, tan cerca… solo véanlo.
4. Fresh Guacamole, dirigido por PES. Veamos que opinan de un corto que me parece divertido, pero no lo considero nada especial.
5. Maggie Simpson in “The longest Daycare” de David Silverman. Quienes vieron “La era del hielo IV” ya deben haberlo visto. Los Simpson son los Simpson, así que no hay mucho más que decir al respecto.
Debo decir que fue un poco difícil de encontrar completo ya que dicen que Fox lo retiró para poder estrenarlo en TV, pero lo pueden ver en el siguiente enlace:
Para cerrar, los dejo con el corto animado ganador de los Premios Goya 2013:
“El vendedor de Humo”. Este corto fue realizado por los estudiantes de Primer Frame, una escuela de animación valenciana y trabajaron durante seis meses, para que este corto vea la luz:
Espero que les hayan gustado y nos cuenten cuál es su favorito.
Si no has visto la película no leas este review pues está lleno de spoilers
Django Unchained (2012) fue uno de los estrenos más esperados por mi este año. Confesa fan de Tarantino, me preparé para ver esta película repasando toda su filmografía, incluyendo visionados en pantalla grande de Pulp Fiction y Reservoir Dogs. Además, tuve que aguantar la ardiente tentación de bajarme el torrent antes del estreno tardíó en los cines. Y bueno, como no me gusta andarme con rodeos, les adelanto mi opinión general sobre Django. Me parece una película sumamente irregular y seguramente una de las más flojas, sino la más, de Tarantino. No obstante lo anterior, es una película disfrutable. Tiene algunas escenas, diálogos y actuaciones (no muchos lamentablemente) que quedarán en el imaginario de los tarantinianos.
Dado que esta es una película con aspiración a Spaghetti Western, en homenaje al género centraré mi apreciación en tres aspectos del filme: El bueno, El Malo y El Feo 😛
El Bueno:
Samuel L. Jackson definitivamente se roba el show en su personaje de Stephen, el esclavo «engreído» de la familia Candie, casi un consigliere. No hay nadie en este mundo mejor que Samuel para manejar «the nigga thing». Ya nos había demostrado eso con creces en Pulp Fiction. Tal vez el único que puede hacerle la lucha en ese oficio es Denzel Washington en «Día de Entrenamiento». Leo que a algunos su personaje les pareció insufrible, y bueno, eso no hace más que reafirmar el gran desempeño del Jackson, Stephen era un negro despreciable y así lo transmitió. Tiene a su cargo también, la que para mi es la mejor y más hilarante escena de la película:
Christoph Waltz una vez más nos deleita con una muy buena actuación de mano de Tarantino. Sin embargo, no pudo superar la excepcional performance que tuvo en Inglorious Basterds. Lo que me preocupa es que empiezo a dudar si Waltz pude hacer satisfactoriamnte personajes de otro tenor. King Schultz, personaje inspirado en un mix de John Henry «Doc» Holliday, Loco (The Great Silence 1968) y Thomas Luther Price (Hannie Caulder 1971), tiene muchas similitudes con el Coronel Landa, ambos son cínicos encantadores, letales, políglotas y cultos. El matiz que Tarantino le da a Schultz en esta película es su, hasta cierto punto inexplicable, solidaridad y cariño por Django. Sin desmerecer su actuación, esperaba más de Waltz, comparando con secundarios de otras de las películas nominadas, no creo que merezca el Oscar.
Leonardo DiCaprio, reafirma que es uno de los mejores actores de su generación. No entiendo cómo lo siguen haciendo de lado con la nominaciones al Oscar. Su Calvin Candie le da vida a esta película y la conduce hasta su desenlace (o el que debió ser). Codicioso, cruel, pero a la vez «bondadoso», genera más simpatías que el mismo Django. Me quedé con ganas de que se explotara la relación enfermiza que aparenta tener con su hermana.
Mientras iban saliendo estos personajes de escena, más caía el interés por el desenlace final de la historia.
Un acierto de este filme es la fotografía, Tarantino cada vez se perfecciona más en este aspecto. Teniendo en cuenta que en un Western la fotografía es una pieza estética clave, yo creo que QT tiene un desempeño más que satisfactorio. Me quedo con el plano de Billy Crash y pandilla regresando del entierro del Calvin.
El Malo:
Como les adelanté la Django Unchained me pareció sumamente irregular y con fallas narrativas. La película realmente toma ritmo a partir de la llegada de Django y Schultz a Candyland. Es ahí que hice mía la frase de Calvin «Tarantino, you had my curiosity, but now you have my attention». Todo lo que pasa antes de eso se hace sumamente lento.
El personaje de Don Johnson, Big Daddy, es intrascendente en la historia, más allá de la gracia que nos hace ver al ex Miami Vice en pantalla grande, y creo que puso en riesgo el impacto que debía tener el personaje de Candie. Ambos personajes son esclavistas sureños, dueños de plantaciones , crueles pero paternalistas. Salvo la distancia abismal en cuanto a actuaciones no mucho los diferencia. Parece ser una especia de tributo a esos coronelotes y hacendados sureños de tantas series y dibujos animados. Incluído el Coronel Sanders.
Volviendo a la narrativa, la visita a la plantación de Big Daddy es únicamente pretexto para dos cosas:
i. La muertes de los Brittle brothers, que se planteó al inicio como el leitmotiv de la película para ser descartado rápidamente, acentuando en el espectador la sensación de lentitud y falta de suspenso. Mención aparte merece el acento y forma de actuar de algunas de las esclavas, que más que algodoneras del sur parecían salidas del reality de Flavor Flav. Felizmente no mencionaron sus nombres porque seguro tenían ghetto names .
ii. La escena de la pandilla del KKK, que si bien es cómica, parece puesta únicamente para incorpora el chiste de las máscaras que se le ocurrió a Tarantino (por eso él mismo participa en la escena como encapuchado). También es un homenaje a una escena emblemática de la película The Birth of a Nation (1915)
Este filme no es un riguroso homenaje al cine de genero, como sí lo fue Death Proof. Django pretende ser un homenaje al Spaghetti Western, pero termina siendo un 7 colores comprando en restaurante fusión. Digamos que es un Western Exploitation con gran contenido del Western Cómico del estilo de They Call me Trinity y Blazin Saddles, y una pizca de Western Clásico. El superponer una referencia sobre otra, esta vez no le funcionó a Tarantino porque primó ello antes que la narración de una historia que cautive.
De otro lado, el protagonista, Django, es el personaje más flojo de la historia. Si bien Jamie Foxx se desempeña de manera competente, no le aporta nada relevante al Django, más allá de su aparente superioridad respecto a los demás esclavos negros, no se encuentra ninguna particularidad o matiz . El papel podría haber sido interpretado casi de la misma manera casi por cualquier actor negro de su rango de edad. Obviamente esto no es solo problema del actor sino también del planteamiento del personaje en el guión. No hay una evolución coherente del personaje. De ser un esclavo iletrado, en un invierno pasó a ser un experto en tiro y hábil manipulador.
Ni qué decir de Kerry Washington en su papel de Broomhilda von Schaft. Ese papel lo hubiera podido hacer cualquier morena guapachosa, hasta un maniquí. Ningún aporte. Raro en Tarantino que suele dar relevancia a los personajes femeninos por más pequeños que sean. Broomhilda sólo quedará en mi recuerdo por un parecido que mi buen amigo @Metalgrone le encontró, Todo hace indicar que la Washington es la hermana perdida del jugador de fútbol Roberto Guizasola jajaja:
Fiel a su estilo Tarantino incorpora cameos también en esta película, incluso uno de él mismo. Me parece que esta vez abusó de ellos. Respiraré profundo para recitar de corrido los que pude detectar : Jonah Hill, Bruce Dern, Michael Parks, Robert Carradine, Tom Savini, Franco Nero, Zoe Bell, RZA (rapero que por aqupi nadie conoce), Tom Wopat, Amber Tamblyn….me quedé sin aire. Muchos de ellos, no merecen ser llamados cameos porque no tiene conexión con la historia o el généro, además de no aportar nada. El más relevante es definitivamente el de Franco Nero porque es un guiño al género y específicamente a la película del mismo nombre (Djando (1996)).
El remate de la película debió ser el tiroteo sangriento y slow motion en casa de Candie, que homenajea directamente a otro grande del western: Sam Peckinpah (The Wild Bunch 1969). QT comete un gran error al incorporar el segundo final, que incluye la ridícula forma en que Foxx lo convence a él y a Michael Parks de ir por la recompensa a casa Candie. Qué gran broche de oro hubiera sido el guiño a The Good, The Bad and The Uggly (1966) y su «Hey Blond!! You know what you are? Just a dirty son-of-a-b-» en la muerte de Stephen (ver desde el minuto 6:38):
El Feo:
Lo feo ha sido el debate que se dio sobre la carga racista que para algunos tiene la película y del abuso de la tan sensible palabra nigger . Entre los ofendidos se encuentra el director Spike Lee, que entre otras cosas dijo:
«Todo lo que voy a decir es que es irrespetuoso con mis ancestros. Sólo lo digo yo, no hablo en representación de nadie.»
«La esclavitud americana no fue un Spaghetti Western de Sergio leone. Fue un holocausto. Mis ancestros eran esclavos, raptados de Africa. Yo les honraré.»
No es la primera vez que se da este tipo de polémica respecto a películas que tratan el tema de la esclavitud desde un punto de vista, digamos que mas complaciente, o desde la perspectiva de esclavos que vivían en armonía con sus patrones. Ocurrió con Canción del Sur (1946), que Disney tuvo que borrar por completo de sus registros para acabar con las protestas desatadas por grupos de defensa de los derechos de los afroamericanos. Más información en este post.
Tal vez la teoría de la negritud que se da en la escena del cráneo, sobre la existencia de negros que por su valentía e inteligencia sobresaliente destacan por sobre el común de los negros sumisos (la cual resulta validada por lo que vemos en la película) puede escandalizar a algunos con cierta justificación.
Sin embargo, no hay que perder de vista que estamos ante una película de ficción que, a mi modo de ver, no pretende mostrarnos la real problemática de los esclavos negros del sur de los Estados Unidos pre Guerra Civil. En mucha mayor medida muestra una caricatura de la comunidad afroamericana en la actualidad y su empoderamiento luego de la elección de Obama. Ya sí, me puse densa.
Finalmente y como resumen, si bien esta película es disfrutable y hasta divertida, todo hace indicar que esta vez sí que le pesó a Tarantino el problema que siempre tiene al tener que meterle tijera a sus horas de horas de rodaje. Al parecer los tiempos le jugaron en contra y no tuvo el tiempo ni la cabeza fría para escoger bien qué escenas iban y cuales no para que la película tenga coherencia, fluidez y riqueza.
Ustedes qué opinan?
P.D.1 Pueden leer el guión de Django Unchained aquí
P.D.2 De la gran cantidad de referencia cinematográficas que tiene este película, destaco y recomiendo «Hannie Caulder» protagonizada por Raquel Welch. Trata sobre tres bandoleros que son hermanos y violan a una bella mujer después de matar a su marido. Movida por el odio y la sed de venganza, se hará una experta en el uso del revólver para acabar con ellos, aunque también contará con la ayuda de un cazador de recompensas. Les suena a algo?
P.D.3 Un agradecimiento especial a @El_Riquillo por sus aportes a mi review
P.D.4 Pueden oir la banda sonora Django Unchained aquí
Esta película ha sido esperada con entusiasmo por muchos, entre los que me incluyo. Vamos, los astros parecían alineados para que se convirtiera en un peliculón. Dirigida por Steven Spielberg, uno de los directores más influyentes y competentes de Hollywood. Protagonizada por Daniel Day-Lewis, a mi gusto uno de los mejores actores de habla inglesa de los últimas décadas. Tiene como personaje principal a una figura icónica de la historia norteamericana, Abraham Lincoln. Nada podía fallar.
A estas alturas se estarán preguntando ¿y cuándo llega el perooooo ? Bueno, viene en este momento. A pesar de todo lo dicho la película no me gustó, pasaré a explicarles por qué.
El filme nos muestra un episodio muy particular en la vida de Lincoln, su participación en la promoción y aprobación de la Decimotercera Enmiendaa la Constitución de los Estados Unidos, la cual abolió oficialmente la esclavitud en dicho país. Este hecho ha sido ampliamente analizado y registrado por historiadores, economistas, sociólogos, etc. Es decir, cualquier persona más o menos instruida sabe exactamente cómo sucedieron los hechos y qué los motivó.
Mi principal crítica es la manera tan plana y sin matices en la que se planteó el personaje de Lincoln. Desde el momento uno Lincoln ya tiene una fijación con la abolición de la esclavitud y lucha por ella incluso arriesgando su índices de aprobación, la estabilidad política del país y extendiendo la guerra. Sin embargo, nunca se explican o siquiera insinúan sus verdaderas motivaciones. Yo no esperaba que muestren las motivaciones económicas/mercantiles (que todos sabemos que fueron las que realmente impulsaron la abolición), pero al menos algún tipo de motivación moral o de experiencia personal que lo haya sensibilizado sobre el tema. Las motivaciones sostienen la convención, si esto flaquea no nos compramos la historia.
Considero que Spielberg se excedió al pretender mostrarnos el camino a la santidad de Lincoln. Plantearlo como un ser casi inmaculado, bueno por naturaleza, sin mayores conflictos o cuestionamientos. Eso no se lo traga nadie. Hasta los acuerdos por debajo de la mesa y manipulaciones políticas que se muestran moralmente reprochables, se realizan en pro de un fin supremo. Sus conversaciones domésticas o amicales parecen parábolas de Yisus a sus discípulos. El director aleja al personaje de lo humano, lo elevaba a lo divino dificultando la conexión del espectador.
Los personajes que se roban el show son los más terrenales, los que tienen motivaciones creíbles, como por ejemplo Thaddeus Stevens (Tommy Lee Jones) en cuyo corazón está el principal impulso de su visceral lucha contra la esclavitud. También resultan encantadores los lobbistas Bilbo y su combo (James Spader, John Hawkes y Tim Blake Nelson). Me hubiera encantado que la película ahonde en los tránsfugas demócratas y la compra de votos. Dice @El_Riquillo que “a Spader le pasa lo que a Tom Hanks: mientras más gordo se pone mejor actúa.”
Por otro lado hay personajes totalmente intrascendentes como el del Joseph Gordon-Levitt, que encarna al hijo mayor de Lincoln. Su personaje no aporta nada y ya aburre ver a Gordon-Levitt casi siempre en el mismo personaje y con los mismos gestos. La historia no cambiaba en nada si prescindían de él.
Sally Field me parece una estupenda actriz, sin embargo creo que su personaje no llega a cuajar en la historia. Quedó como una trastornada mujer que en sus ratos de lucidez le da consejos, que ya otros le han dado, a su marido No se explotó el conflicto personal de Mary Todd Lincoln, al provenir de Kentucky, un estado esclavista que, si bien no se separó de la Unión, apoyaba en gran medida la causa sureña y la idea de la superioridad racial, frente a su rol de Primera Dama e impulsora de la abolición. Muchos parientes suyos lucharon por la Confederación.
Lo bueno:
Es innegable e increíble la capacidad de Daniel Day-Lewis para apoderarse de los personajes que interpreta. Su caracterización es realmente impecable. En base a los registros fotográficos y crónicas de la época, ha logrado construir un Lincoln totalmente convincente. Yo le creo todo a Daniel Day-Lewis, desde la forma de caminar de Lincoln, muy al estilo Nosferatu, la forma de hablar, gestos, todo. No me cabe duda que se lleva el Oscar este año.
La fotografía me parece sobresaliente. Con mis poquísimo conocimientos de historia del arte, puedo decir que estéticamente se encuentran referencias al expresionismo alemán y al tenebrismo. La escena de la muerte de Lincoln parece sacada de un cuadro de Caravaggio.
Me quedo con la actuación de Tommy Lee Jones como lo mejorcito de la película, realmente una de sus mejores actuaciones. Apasionado, sarcástico, ácido pero noble en el fondo, todos los matices que el personaje principal no tiene. Ojalá se llevara el Oscar a mejor actor de reparto.
Para mí lo más interesante del filme son los debates, alianzas, transfugismo y dinámica de la Cámara de Representantes de la Unión. El rol del partido demócrata, así como la facción más conservadora del partido Republicano captó mi atención. Me quedé con ganas de ver más de eso.
Aún me falta ver varias de las películas nominadas al Oscar, pero no considero que esta película lo merezca.
P.D1: Alucinen lo que hubiera sido un crossover entre Lincoln y Pandillas de Nueva Yor k, con Day-Lewis encontrándose consigo mismo como Lincoln y Bill ‘The Butcher’ Cutting. Ambas historias se desarrollan en la misma época. Jajaja me pongo «meta».
Es un hecho que el estrés de la vida moderna, la rutina, problemas familiares, la realidad nacional e internacional, etc, minan nuestro ánimo y nos hacen pensar que, como decía mi amigo Sebastián, la vida es un asco. En esos momentos es necesaria una válvula de escape. Unos optan por las drogras, otros por la religión, otros por leer a Coelho, yo veo ciertos videos en youtube, que a pesar de haberlos visto 76493857563 veces, no paran de hacerme reir. Obviamente es una selección bastante personal y subjetiva, pero como a mi me funciona tan bien, lo comparto con ustedes por si les es útil. Aquí vamos:
Perro que ladra bajito
Este video me ha salvado de mis peores bajones de ánimo. El perrito me da una ternura increíble y me mata de la risa como ladra cada vez más despacio. Su último ladrido es lo máximo, casi susurra. Bueno, qué puedo decir, los perritos son mi debilidad.
Escena del brindis en Bridesmaids
Bueno, ya he dicho muchas veces que Bridesmaids es una de las mejores comedias del mundo mundial. Hace tiempo no me reía tanto como cuando vi esta película. En especial reí, casi hasta las lágrimas, con la escena que verán a continuación. El manejo del humor físico es genial. La gran Kristen Wiig es capaz de hacerte reir «with simple a look». Mención aparte es el manejo del español de Kristen jajajaja.
«Britta’s Marrying Jeffrey Winger» . Canción al estilo Cranberries en Community
Community es una de mis series favoritas de los últimos tiempos. La cantidad de referencias a la cultura pop, las actuaciones, la construcción de los personajes, el humor inteligente, la hacen una serie redonda. Lástima que no tenga los índices de audiencia que demandan las cadenas y que ya esté prácticamente de salida :(. Son innumerables las escenas hilarantes de Community, para esta lista he seleccionado sólo dos. La primera es una versión adaptada de la canción Linger de Cranberries que está tan pero tan bien hecha que hasta la tengo de ringtone.
«High on my own drama» en Community
Si no han visto la serie seguro no la entenderán esta escena, pero es que el persona de Britta es taaannn bueno. Emocionalmente es un caos, quiere mostrarse siempre comprometida con las más elevadas causas, como la paz mundial, erradicar el hambre en el mundo, la defensa de la ecología, etc, pero por sobre todo, quiere ser aceptada por su grupo de amigos. Su arsenal de frases, bailes raros y gestos graciosísimos es increíble. Aquí una muestra:
Pariodia de «Homeland» en Saturday Night Live
Esta es una de las últimas incorporaciones a mi lista de videos motivacionales. Eso porque recién me he enganchado con la serie «Homeland», que es buenísima por cierto, y porque hace un par de días @El_Riquillo me pasó el link. Desde ese momento ya lo he visto unas 26 veces. En SNL son unos capos para las parodias y para el humor en general. En esta oportunidad la actriz invitada es Anne Hathaway, quien se las ha ingeniado para caricaturizar de manera notable al personaje de Claire Danes en Homeland. Geniales también las imitaciones de Brody y Saul.
«An abortion Michael, an abortion» en El Padrino II
A ver, con este video no me malinterpreten. Yo pienso que El Padrino II es una de las mejores películas en la historia del cine, además muchos conocen mi admiración y simpatía por Diane Keaton y Al Pacino, pero hay algo en esta escena que desata mi risa. Creo que es la cantiadad de veces que Kay menciona la palabra «abortion» o tal vez su pronunciación. Otra cosa que me hace reir es la cacheta al estilo chato Barraza (osea con mano pegada al cuerpo para darle más contundencia). No lo sé, hay algo con este video involuntariamente gracioso.
«Donka, Donka, Donka, Donkaccino» en Jack and Jill
Quién se iba a imaginar ver a Al Pacino, el que según Diane Keaton se despertaba a las 3am a recitar Shakespeare, haciendo el ridículo en una película de Adan Sandler?? No sé si lo que me da más risa es la coreografía o el bronceado al estilo Jersey Shore de Al.
Espero que este post sirva de lago para aliviar sus penas. Paren de sufrirrrr.
Actualización
«Mirá, mirá de quien te burlaste vos» por Romina
No entiendo cómo me olvidé de este video, tal vez porque ya han pasado varios años desde que lo vi por primera vez. Sin embargo, sigue generándome la misma risa. Se trata de Romina, una niña uruguaya que me parece encantadora. Ella a su corta edad ya sabe alguito de lo que es la venganza y además no se deja engañar por farsante como el inefable Barney.
Iván el Trolazo por El Bananero
Bueno, no hay palabras para describir este video , ni lo que hace El Bananero. Lo único que les puedo decir que es nunca verán a He-Man con los mismos ojos….shegó el bogoteeeeee
Luego de centurias (vamos, no es tanto) vuelven nuestras habituales notas de “Papacitos eternos”, actores que dejaron huella en la historia del cine. No dejen de sugerirnos a sus favoritos.
Monty era tan caballero que decidió que su hermana saliera primero del vientre de su madre. Era tan meticuloso con su trabajo que el mismo James Dean dijo que su sueño dorado era actuar con él. Llevaba una vida tan desastrosa que Marylin Monroe dijo sólo él vivía peor que ella. Era tan hermoso, tan desordenado por dentro y por fuera, tan triste.
Edward Montgomery Clift nació en Omaha, Nebraska, allá por los locos años 20. A pesar de las finanzas erráticas de su padre, los niños Clift recibieron una educación esmerada en Estados Unidos y Europa, en algunos momentos dada por su propia madre o por costosos profesores. Como a los 13 años es ella quien descubre el talento de su hijo por la actuación y le estimula a continuarlo. Es así que él llega, con 15 años, a Broadway con una obra teatral en la que no queda en el anonimato, llamada Fly away from home.
Pasarían diez años antes de que el cine se le cruzara en el camino. El flacucho joven iniciaría su carrera no menos que al costado de John Wayne y Howard Hawks en una de vaqueros, Red River. Su carisma es innegable. La cámara se enamora de él al instante. Sin embargo, es su segundo film el que lo pone entre las estrellas, The Search, un film de postguerra que le hace merecedor de una nominación de la Academia. Nada mal.
Tal vez Monty sentía frío en la cima. Por éso le daba la gana de vivir su vida como un completo desordenado. Elizabeth Taylor, su amigaza del alma (que incluso lo salva de morir en una ocasión) decía que él hubiera sido uno de los más importantes actores de su generación, si hubiera aceptado algunos papeles en películas trascendentales del cine. En verdad, él era sumamente exigente con los roles que le proponían, siendo uno de los primeros actores en seguir fielmente “El Método” para construir sus personajes, o llegando incluso a modificar él mismo los guiones de las películas en las que participaba, sin interés en aparecer en los créditos finales, sólo por el hecho de hacer un buen trabajo. En tal sentido, no era raro que rechazara algunos papeles, muchas veces escritos directamente para él, como cuando rechazó Sunset Boulevard por que vivía un momento similar al del personaje, en su vida privada (dicen las malas lenguas que su novio rico de entonces había amenazado con suicidarse).
Un accidente de auto a mediados de los años cincuenta cambió su rostro y su vida. Según un crítico de cine, “empezó el suicidio más largo de la historia”. Los medicamentos recetados para el dolor le generaron una adicción de la que jamás se pudo recuperar. Ya era lo suficiente desordenado como para empeorarla. Los directores de cine se desesperaban al ver que el errático Monty era incapaz de recordar sus parlamentos y terminaban diciéndole cosas como “Oie, a ver, olvídate del guión. Imagínate que estás en tal o cual situación, ¿qué harías tú?” Demasiada caída para un actor que era capaz de vivir en la cárcel un tiempo, sólo para “sentir” la misma experiencia que su personaje. Se iba apagando la luz de a pocos, para finalmente extinguirse una madrugada de 1966, a solas, en casa, a causa de un ataque cardiaco. Habían emitido por la tele una de sus últimas películas “The Misfits” y no había querido verla. “¡Por supuesto que no!” dijo, mientras se despedía de su asistente personal. Hay viajes que uno hace solo.
Yo confieso
No está en el parnaso de las películas de Hitchcook y sin embargo, es una de las mejores caracterizaciones de Montgomery Clift. El guión de I Confess tomó 8 años en escribirse, tras pasar por… 12 escritores! Y no es para menos, el tema que trata resultó ser tan polémico para su época, que fue prohibido en Irlanda. Un sacerdote escucha la confesión de un asesino y es incapable de denunciarle, pues el secreto de confesión es parte importante de su ministerio. Para empeorarla, tiene sentimientos encontrados por una ex novia que está casada, que es infeliz; y ambos son sujetos de extorsión por ello. Tremendo dramón. Para recrear al personaje, Clift vivió con sacerdotes y en la cárcel. Sin embargo, Hitchcook vivía fastidiado con él y sus desbandes; alguna vez había llegado a filmar completamente borracho y revivido milagrosamente para la acción.
Hace unos días tuve la oportunidad de entrevistar a los talentosísimos dibujantes David Galliquio (viejo conocido de este blog) y a Eduardo Yaguas (quien me soporta cuando reniego con cada capítulo de Walking Dead), para hablar del fanzine que, conjuntamente con BoShek, están lazando al mercado, llamado «Animal Machine». A continuación podrán ver la entrevista, sorry por la edición, prometo meterme pronto a un curso de Adobe Premiere:
Vuelvo a recomendarles comprar este fanzine que es de muy buena calidad, tiene calle y tiene rollo. Igualmente recomiendo seguir los trabajos que a nivel individual publican periódicamente David, Eduardo y BoShek.
No me pregunten cómo, pero conseguí una breve pero sustanciosa entrevista en exclusiva con Alejandro Brugués, director y guionista de cine cubano que tiene en su haber joyitas como Personal Belongings y Juan de los Muertos .
Algunos pocos tuvimos la posibilidad de ver Juan de los Muertos en pantalla grande en las dos funciones disponibles el último Festival de Lima. Otros no pudieron aguantar la espera y la bajaron del internet. Y es que, desde que empezó a circular hace un par de años la noticia de que se estaba filmando una película de zombies en Cuba, la expectativa entre los amantes de este género fue enorme. Expectativa que considero fue superada ampliamente en sus espectadores a nivel mundial, llegando a participar en el prestigioso Festival de Sitges.
Juan de los Muertos aborda el género en tono de humor, muy al estilo de Shaun of the Dead de la cual se pueden identificar cantidad de referencias. También se pueden encontrar alusiones a La Noche de Muertos Vivientes, entre otros clásicos, guiños al cine de artes marciales, al spaghetti western, recursos del cómic y mucho pero mucho sabor cubano. En suma, en el género zombie está dicho casi todo, la clave es cómo contarlo.
A continuación los dejo con la entrevista que espero les guste:
¿Cómo surgió la idea de hacer una película de zombies?
Surge de mi amor por las películas de zombies y de observar un poco la realidad a mi alrededor. Una mezcla de esas dos cosas. Nunca me había planteado hacer una película de zombies, aunque me encantan, hasta que de pronto un día me di cuenta de que a través de esta película podía también hablar de Cuba, de como somos los cubanos, y de otras cosas que me interesaban. Y ademas, con zombies!
¿Cuáles son sus referentes cine/comics en cuanto al género zombie?
Todas las películas de zombies que te puedas imaginar, desde los clásicos de Romero, los Evil Dead de Sam Raimi (que son de posesión, pero para mi, que los vi de niño, siempre serán de zombies), Braindead de Peter Jackson, Shaun of the Dead, obviamente, Zombieland, Dawn of the Dead, el remake, 28 days latee, que tampoco es de zombie pero podemos incluirla. El cómic The Walking Dead, videojuegos como Left 4 Dead. En fin, todo.
¿Cómo fue el proceso de construcción de los personajes? Se basan en gente real? En estereotipos de la sociedad cubana?
Es difícil responder esto porque ya ha pasado tiempo, y los personajes por lo general se construyen cada uno de forma distinta. Juan está basado en la vida real, de hecho en mi hermano, Juan, porque quería reflejar una serie de cosas de la generación de mi hermano, y quería que se sintiera como alguien real. Los demás son una mezcla de cosas, algunos en estereotipos de la sociedad, otros simplemente aparecieron así. Hay veces que cuando un personaje empieza a hablarte, ya va a ser así para siempre.
¿Cuánto cree que le aporta Cuba, como escenario, a una película de zombies?
No sé si Cuba como escenario aporta mucho a una película de zombies, pero los zombies aportan mucho a Cuba!
¿Los zombies son una metáfora para expresar una posición respecto a la revolución cubana?
Son una metáfora para expresar una opinión sobre la sociedad cubana. Por que esa manía de querer meter a la revolución en el asunto? Los zombies son lo que uno necesita que sean, y en mi caso eso es una parte de la sociedad, inmóvil, que acepta la vida como viene. Son los que hacen que el país no se mueva.
En sus películas el protagonista siempre decide quedarse en Cuba. ¿Tiene propuestas de hacer cine fuera de Cuba?
Todos los cineastas del mundo trabajan en todos lados. Uno hace cine donde encuentra una buena historia. Si mañana se me ocurre una buena historia en otro país no voy a hacerlo donde me lleven las buenas historias.
¿Cuáles son sus próximos proyectos cinematográficos?
Y de los próximos proyectos te cuento cuando se concreten. Hay unos cuantos, no sé cual salga. Uno nunca sabe en esta profesión. No me gusta hablar de las cosas mientras todavía están en el aire.
Finalmente, le comenté a Alejandro que luego de ver su película muchos por aquí debatían si ésta era mejor que Shaun of the Dead y me pidió que les mande este mensaje:
Espero que Juan de los Muertos sea repuesta en cines. Vale la pena totalmente y creo que comercialmente sería un hit. Yo les recomendaría esperar a verla en pantalla grande, pero si no tienen paciencia, ya está disponible en Polvos Azules. Aquí el trailer:
Una de las primeras películas que vi en el Festival de Lima, entonces Encuentro Latinoamericano de Cine, allá por el 2003 fue una película suya, El juego de la Silla. El primer post que escribí para este blog fue sobre esa película. El primer comentario que recibí en ese post fue de, el aún desconocido para mi, @El_Riquillo (me tiraba maicito). Por eso y muchas cosas más, le tengo un gran cariño a Ana Katz. No sólo es una gran directora, actriz y guionista, sino que también es una entrañable persona.
Con ocasión del 16 Festival de Cine de Lima, y gracias al blog amigo Cinencuentro, tuve la oportunidad de entrevistar a Ana, que en esta oportunidad vino como Jurado Oficial de la competencia de ficción de dicho Festival. En la entrevista conversamos sobre cómo asume su rol como jurado en festivales, sobre su última película «Los Marziano» , el humor al contar historias, sus temas recurrentes, el rol del Estado en la promoción del cine, entre otros.
Sabemos que el apoyo a la cultura es escaso y que difundir manifestaciones culturales en un país donde mucha gente las ignora abiertamente, es muy complicado. Sin embargo siempre hay personas que se echan al hombro a difícil tarea de la difusión, con tal pasión que son merecedores de aplausos.
Hace poco llegó a mi cuenta, el último número de la revista cultural amazónica «Arteria Cultural». Me tomé el tiempo de descargarla, leerla y quedé maravillada del gran esfuerzo que realiza su editor, columnistas y colaboradores por darnos una visión real de la cultura en la Amazonía.
La revista tiene de todo, pero la idea no es extenderme mucho sino que ustedes la descarguen y puedan leerla y disfrutarla como nosotras.
Para descargar «Arteria Cultural» pueden seguir este link.
Aprovechando un reciente viaje a Santiago de Chile, y gracias a la ayuda del buen amigo Chiqui Vilca del blog La Nuez y organizador de Lima Comics, tuve el privilegio de entrevistar al gran Alberto Montt. Como ustedes saben – y sino debería darles vergüenza – Montt es un ilustrador gráfico chileno-ecuatoriano (o Bolivariano como él diría) cuyo trabajo pueden disfrutar en su blog Dosis Diarias, así como los 5 libros que ha editado hasta la fecha. En la breve pero sustanciosa conversación, hablamos sobre redes sociales, religión, los límites del humor, la industria editorial en el humor gráfico, entre otros. A continuación el audio de la entrevista, espero les guste.
La buena noticia para los fans de Montt, entre los cuales me incluyo, es que lo tendremos muy pronto nuevamente en Lima para el evento Lima Comics 2012, que se llevará a cabo los días 22, 23 y 24 de junio. Ahí podrán aprovechar para verlo, conversar con él, comprar algunos de sus libros y pedir autógrafos.
Isabella X.
claudiasuarez
Dreampicker
fatimatv
Silla Ecléctica 
